Belas Pessoas e Outros Nomes

O artecídio paraense denunciado por Carlos Correia Santos

2011-04-09T18:35:00.004-03:00

Machado de Assis

Por Helder Bentes

Professor e Crítico literário

Neste tempo de leitura pragmática, em que a noção de texto é mais ampla, extrapolando os limites da escrita; em que os suportes textuais são cada vez mais variáveis, impondo competências de leitura que vão muito além da mera decodificação do signo linguístico, um gênio das letras brasileiras – a meu ver o primeiro – é atualizado numa conjunção de fatores que regulam seu significado como escritor oitocentista em pleno século XXI.

Que escritor é esse? Machado de Assis.

Quem o atualiza? Carlos Correia Santos.

Um mestre da dramaturgia nacional (re)significando a obra do proclamador da independência literária brasileira.
Carlos Correia Santos é o autor da peça teatral O assassinato de Machado de Assis, em cujo enredo Joaquim Maria Machado de Assis, escritor carioca que viveu de 1839 a 1908 e fundou, em 1896, a Academia Brasileira de Letras, é assassinado por uma de suas personagens.

Carlos Correia Santos

Mas... Quem matou Machado de Assis?

Eis a questão debatida para além do palco. Desde um mês antes da estreia, ocorrida nesta sexta-feira (08), a expectativa em torno do mistério sobre o qual se pauta o enredo da peça tem sido alimentada no blog da peça, onde as próprias personagens machadianas postam opiniões sobre o crime, trocando farpas e acusações entre si. O sujeito do crime, valendo-se do anonimato da internet, faz chacotas e dá pistas no twitter (@assassinmachado), no youtube e até no facebook.

A utilização das mídias sociais não é apenas uma estratégia de divulgação, mas um trabalho não menos literário que o texto da peça, pois se trata de uma extensão do enredo, análoga à durabilidade e atemporalidade das obras de arte produzidas em linguagem verbal escrita.

O texto levado à cena pelo Coletivo Parla Palco, sob a direção do grande Luiz Fernando Vaz, provoca o imaginário coletivo da sociedade que, da mesma forma que o faz, para saber o que vai acontecer nas telenovelas, por exemplo, recorre às mídias, para saber o que acontece no teatro universitário Cláudio Barradas, em Belém, às 21h00 dos dias 08, 09, 15 e 16/04, e às 20h00 dos dias 10 e 17/04.

A diferença é que há um pré-requisito essencial, tanto para a compreensão do enredo, quanto para desvendar o mistério deste assassinato. O espectador deve ser iniciado na apreciação da literatura e da arte dramática. Pois, além da literariedade que perpassa a dramaturgia de Carlos Correia Santos, as personagens e os enredos de obras machadianas, como Helena, Dom Casmurro, O alienista e Memórias póstumas de Brás Cubas, também devem fazer parte do repertório de leitura do público. Mas, para quem ainda não leu nenhuma dessas obras, o espetáculo é também um excelente recurso de iniciação à leitura de Machado de Assis. Não se trata de um enredo adaptado da literatura para o teatro, que poderia substituir a leitura das obras. Mas de um enredo criado por Carlos Correia Santos, a partir da imaginação criadora imortalizada de Machado de Assis.

Como professor de literatura, acho que o grande mérito desta obra é a intertextualidade, tanto nas obras machadianas entre si, quanto entre estas e a obra de Carlos Correia Santos. Uma intertextualidade que supera citações e paráfrases, para se aventurar nos desvãos da imaginação criadora dos dois escritores, tornando a leitura simultaneamente impetuosa e imperiosa, provocando originalidade na apreciação e, ao mesmo tempo, atendendo a princípios de diversidade face ao cânone machadiano.

Na trama de Carlos Correia Santos, ao se tornar o primeiro imortal das letras brasileiras, em 1897, Machado de Assis mergulha em sua própria obra, passa a conviver com suas personagens. Uma delas, movida pelo ciúme das outras, apunhala-o pelas costas, enquanto Machado visita o túmulo de Brás Cubas, protagonista do romance Memórias póstumas de Brás Cubas. Capitu, a dissimulada personagem de Dom Casmurro que virou símbolo da dúvida em matéria de traição, contrata um detetive, para investigar o assassinato. Interpretada por ninguém menos que Márcio Mourão, Capitu aparece na trama como a grande pivô do crime, por haver entrado para a história da literatura brasileira como a mais polêmica das personagens machadianas. A inconformada Helena – que foi titular de um romance, mas nunca fez tanto sucesso quanto Capitu – o excêntrico Simão Bacamarte, do conto O alienista, o protagonista de Memórias póstumas de Brás Cubas e a própria Capitu são suspeitos.

Por trás de todo o ciúme que move a trama, há um precedente para a reflexão sobre o ciúme que impera entre as personagens do teatro paraense (ou quem sabe até nacional). Refiro-me a escritores e companhias de teatro que ainda não encontraram sua identidade. Pois, com medo de ousar ou com preguiça de educar seu público, limitam-se a (re)inventar versões de espetáculos que fizeram muito sucesso em determinada época, mas que já foram desde há muito tempo superados por novas criações; escritores e companhias carentes de novas ideias, com um repertório de leitura muito limitado e, quando não preso ao senso comum, amarrado a um paraensismo teimoso que quer afogar a arte nas águas da Baía de Guajará. Matam-se os potenciais cânones literários paraenses que poderiam nos representar na cena nacional. A matriz viva da literatura produzida no Norte é apunhalada todos os dias pela mídia, pelo parlamento, por antropólogos que, paradoxal e burramente, usam os avanços na pesquisa antropológica, para condicionar “campos culturais” – aparentemente alheios às culturas hegemônicas – à eterna supremacia do bairrismo, facultando-lhes simbolismos antioriginais que desprezam as potencialidades naturais do homem amazônida, no contexto em que este existe, acontece e merece.

Seria muito bom se essa turma invejosa e ciumenta, em vez de cravar um punhal nos escritores premiados e depois fingir solidariedade ao morto, criasse, ousasse e formasse um sistema de cooperação mútua que superasse essa vaidade paraense injustificada e defendesse nosso espaço de criação a apreciação artística contra a indústria do mau gosto com fedor de peixe podre que impera por aqui.

Vamos todos ao teatro Cláudio Barradas inalar um aroma verdadeiramente diferente!

A obra de arte na era da pirataria

2011-03-19T21:26:00.003-03:00

O filósofo Walter Benjamin

Por Helder Bentes
Professor e Crítico de Arte

Isso que o povão chama de pirataria – e que os exploradores dos “fenômenos de cultura de massa” aclamam como inovador – já havia sido batizado com o nome de reprodutibilidade técnica por um filósofo alemão chamado Walter Benjamin, em 1936.

Reprodutibilidade é o potencial que alguma coisa tem de se reproduzir ou de ser copiada. Por exemplo, com a popularização dos recursos de cópia de cd’s e dvd’s, tornou-se possível reproduzir indefinidamente músicas e filmes. Isso resultou na pirataria que todo mundo conhece.

Na primeira metade do século XX, com as formas artesanais de reprodução sendo superadas pela fotografia e pelo cinema, Walter Benjamin levanta a seguinte questão: “As obras de arte deixam de ser arte ao serem copiadas?”

Antes de existirem recursos que possibitassem a cópia de uma obra de arte, a experiência de aproximação do público com esta obra era única, porque ela (a obra) era única. A isso Walter Benjamin refere-se como “Aura da obra de arte”, ou seja, a propriedade que uma obra tem de, sendo única, impor-se por ser singular, autêntica, identificável, original, inovadora, e de se definir por oposição a várias outras obras, de vários outros artistas e de várias outras épocas.

Havia, então, um distanciamento que, de certa maneira, obrigava o público a uma reverência muito diferente de pegar, com as mãos cheias de dedos, os cd’s e dvd’s piratas no “Raimundo marreteiro”.

Aliás, essa prática comum no comércio ambulante de Belém deveria nos fazer refletir que, ao manusearmos uma cópia de cd ou dvd, pirata ou não-pirata, não estamos segurando uma obra de arte, mas um suporte que pode ser de arte ou não. Se for um suporte artístico, como se trata de uma cópia, não temos mais ali a dimensão espaço-temporal que conferia um valor aurático ao objeto artístico, mas podemos ter arte partindo de critérios, digamos, mais atuais.

A dimensão espaço-temporal da criação artística, portanto, já “levou o farelo” mesmo?

Não. Ela continua valendo como contexto, sobretudo porque os próprios meios de reprodução de uma determinada obra podem ser utilizados como matéria-prima para a produção de outras obras. A ideia de Benjamin – de que a reprodução exclui o aqui e o agora de uma determina obra – não descarta o potencial catalisador dos recursos de reprodução, para a criação de novas obras.

Então um dj pode ser um artista? Pode. Mas... Atenção! Só pode ser chamado de artista aquele que faz arte (Cf. os post’s “Esse papo já tá qualquer coisa...” e “O tecnomelody e a questão da originalidade artística”).

Neste começo de século, a contribuição de Benjamin pode ser aproveitada muito mais para a questão da apreciação da obra do que para as definições das características essenciais da arte, porque hoje não podemos mais condicionar o conceito de arte à questão da aura.

O fato de uma criação artística ser multiplicada torna-a serial, mas não a descaracteriza como arte. Se assim fosse, a arte teria sido aniquilada pela reprodutibilidade juntamente com sua aura. Embora os recursos da pirataria possam servir a objetivos artísticos, nem tudo o que é feito a partir desses recursos é arte. Nem a reprodução indefinida de uma obra significa que esta obra tenha sido criada para a reprodução.

Digamos que a reprodução – da obra contida num suporte (re)gravável, não da arte da obra em si – seja um recurso de disponibilização ou de publicação da obra que deve(ria) servir à apreciação da arte da obra, garantir os direitos autorais do artista e a autenticidade que antes estivera condicionada à aura descrita por Benjamin.

O problema é que a popularização de um conhecimento instrumental a respeito das técnicas de reprodução gerou uma “crise” na indústria musical e cinematográfica que, de certa maneira, impõe uma revolução nos conceitos e até um movimento dos artistas em favor do direito sobre suas obras e da manutenção das condições de criação.

O que pode ser chamado de indústria cultural hoje? Se as obras de arte não têm mais “aura”, por não serem mais únicas, perderam sua singularidade artística? O que pode ser chamado singular no mundo das artes face à popularização dos meios de (re)produção artística?

A pirataria acabou com a autenticidade da obra de arte? Não. As obras de arte, embora reprodutíveis, continuam sendo artísticas. Mas nem tudo o que é potencialmente copiável pode ser chamado arte. Não é porque os meios de industrialização foram popularizados que a gente vai dizer que tudo o que se faz com um programa de computador ou uma gravadora de cd seja arte.

Nem tudo o que se compra a preço de banana é banana. Uma banana, mesmo que fosse transgênica – apesar de aumentar a produtividade das bananas, de barateá-las e, portanto, popularizá-las – teria suas peculiaridades intrínsecas preservadas. Caso contrário não seria reconhecida como banana. Numa comparação excêntrica, a arte, ainda que produzida a partir de um DNA completamente alheio ao que outrora fora chamado de aura, para ser reconhecida como arte no século XXI, precisa ter propriedades – e não apenas potencialidades – artísticas. Isso significa que, embora hoje a mistura de linguagens seja arte em potencial, não podemos classificar como arte qualquer mistura. Isto seria o mesmo que chamar a semente de árvore e o fósforo de fogo. Até uma criança que ainda esteja adquirindo linguagem já sabe reconhecer essa diferença. E outra: a popularidade da coisa não a determina como arte. Não posso classificar algo como arte só porque este algo é popular. Eu diria até que hoje, quanto menos popular, mais provavelmente artístico será.

Considerando cultura em sentido bem amplo, é possível cogitar que a pirataria, ou o que se inventa por aqui com os mesmos recursos que a tornam possível, seja um fenômeno de cultura popular, desencadeado pela popularização dos meios de reprodução de obras artísticas ou não. Mas essa hipótese deve ser cuidadosa e criteriosamente analisada por um cientista social e, ainda que fosse confirmada, pirataria e seus derivados sociais não poderiam jamais representar o Pará como “nossa arte”.

O fato de uma obra de arte copiada ser sempre uma obra de arte copiável não a descaracteriza como arte, justamente porque o que conta como aura artística hoje é outra coisa, não mais aquela unicidade de que falava Benjamin e que era produto de uma ideologia elitista. Mas, se você consultar os comentários dos internautas a respeito do post “Tá beba??? Tá doida??? Patrimônio artístico e cultural??? Só se for da...”, aqui mesmo neste blog, verá que infelizmente essa ideologia ainda rege o conceito do que conta como arte no senso comum paraense.

As pessoas são induzidas a pensar que arte é coisa de elite e, se alguém se manifesta para dizer que não é arte determinado movimento popular baseado na mediação instrumental do conhecimento ou na popularização da pirataria, logo é rotulado como etnocêntrico.

A reprodutibilidade técnica, tal como fora tratada por Benjamin, libertou a arte dessa ideologia elitista, mas não destruiu a arte, como querem alguns. Hoje a pirataria pode aproximar as pessoas de uma obra de arte e vice-versa, mas – volto a bater na mesma tecla – como as pessoas não têm educação artística, estão sendo canalhamente exploradas, em sua incapacidade de apreciar a arte reprodutível, e induzidas, em seu patriotismo, a criar coisas familiares à precariedade refletora de mazelas sociais que, por sua vez, deveriam ser combatidas, não legitimadas pelo poder público.

Autor de peça sobre travestis religiosas diz que Nossa Senhora é a face feminina de Deus

2010-12-23T10:27:00.002-03:00

Dramaturgo Carlos Correia conversa com o Mix Brasil

sobre peça polêmica

Uma das cenas mais polêmicas da peça: o beijo entre Lucas e Ângelo

Em 2010, Belém do Pará contou com um musical no mínimo polêmico: Ópera Profano. A premiada peça, escrita por Carlos Correia, traz travestis e garotos de programa aliados à religiosidade de Nossa Senhora de Nazaré. Ou seja, as travestis, ao contrário de qualquer estereótipo direcionado ao grupo, propagam o arquétipo da maternidade da santa.

Em entrevista ao Mix, o dramaturgo, poeta e romancista Carlos Correia fala sobre a peça, a relação de suas obras com a comunidade LGBT e sobre o blog Mesmo Que Não Queira Eu Te Contos, em que reúne os melhores contos, muitos sobre o público gay. Para ele, Nossa Senhora é a face feminina de Deus. Veja:

Carlos, antes desse musical, você já abordou a comunidade LGBT nos seus textos e produções?

Sim, tenho vários trabalhos em que mergulho na temática LGBT. O início dessa relação literária foi com o prêmio que ganhei em 1999, no concurso de textos do gênero promovido por uma editora carioca, a Litteris. Mas ainda era um início tímido. Outro momento marcante é com a peça NU NERY, um texto no qual revisito a vida e a obra do célebre poeta e artista plástico Ismael Nery. A dramaturgia investiga a relação artístico-afetiva que Ismael travou com sua esposa Adalgisa Nery e com o amigo do casal, o poeta mineiro Murilo Mendes. Há uma tensão homoafetiva na relação entre os dois.

Em Ópera Profano, os símbolos considerados marginais estão aliados a outros considerados divinos. Como surgiu essa ideia?

Nasceu da minha inquietação. Sou inquieto. Eu quero falar. Quero meter meu bedelho. E a dramaturgia é uma ferramenta sine qua non para isso. Desde adolescente, sempre me inquietou, por exemplo, o fato de aqui em Belém existir um célebre cinema de filmes pornográficos que fica bem em frente à Basílica Santuário, de onde sai e onde termina o famoso Círio de Nazaré. O cinema é um ponto de encontro de gays, garotos de programa, travestis, toda a fauna dos ditos excluídos, e também pais de família que escondem seus desejos homfoafetivos e os liberam no cinema. Seres que usam as sombras do cine Ópera para saciar seus prazeres, suas carnes. Tudo isso bem em frente ao símbolo do divino. Isso é super latino-americano!

Mas você não parou por aí. Trouxe a polêmica presença de Nossa Senhora...

O ator Dário Jaime faz a travesti Tota

É o eterno embate entre o sagrado e o profano. Então pensei: e se tudo isso se misturasse? E se Nossa Senhora entrasse nesse cinema? Esses travestis, esses garotos de programas, todos esses gays são tão filhos de Deus quanto quaisquer outros que acompanham o Círio. Então nasceram as cenas, a obra, a dramaturgia criada sob forma de musical, para metaforizar o nome do cinema Ópera, Cine Ópera. Há cinemas como o Ópera em todo o Brasil. É , portanto, uma história brasileira.

Unir grupos tão discriminados, como travestis e garotos de programa, à religiosidade gerou polêmica. Houve rejeição do público de Belém?

A peça é um sucesso. Mas as manifestações de intolerância acontecem sempre. Pessoas que se levantam e se retiram, aviltadas. Pessoas que fazem comentários pesados na internet. Mas também pessoas que se comovem, que se encantam, que se permitem entender. Porque, no fundo, a questão é essa: permitir-se entender.

Você procurou humanizar esses personagens marginais. Como se deu esse processo?

A peça discute, acima de tudo, o colossal arquétipo da mãe. As três travestis em cena são, falam, tratam ou explicitam aspectos da maternidade. E eu quis criar esse choque: quis fazer a plateia entender que o materno pode sim estar num travesti. Nossa Senhora é a grande representação do materno. O garoto de programa é a voz da ira. Foi violentado quando adolescente pelo padrasto. A cena mais dramática da peça se dá quando o garoto volta ao passado e conta como foi violentado. Sombras invadem o palco e copulam com ele à força. Sombras do padrasto

Além da questão maternal, elas também são religiosas...

As três travestis em cena são religiosas, profundamente religiosas. A que está morrendo, vítima de HIV, sonha em se aproximar da Santa porque foi rejeitada por sua mãe. Ela acredita que a Virgem, sim, é capaz de entendê-la. Tem a travesti que cuida de todos e que esconde um segredo: tem um filho.

Com tantos símbolos polêmicos, a peça não chega a cair no sensacionalismo?

Sempre tive muito receio disso. Nunca quis que a peça virasse um mote escandalizante, algo que chamasse a atenção meramente pelo jocoso. A minha grande alegria é ver que tenho conseguido isso. Primeiro quando o texto ganhou o Prêmio Cidade de Manaus. Talvez para o resto do país seja difícil entender isso, mas Belém e Manaus têm pelejas históricas. Dificilmente uma abaliza a outra. Quando ganhei o prêmio em Manaus, já pude perceber a força que o texto tinha para quebrar preconceitos. Depois ao ver as pessoas saírem emocionadas, mexidas, tocadas. Mais que buscar polêmica, a peça é um grito de humanização.

Você é religioso?

Sim, sou sim. E isso é que é bacana. Acredito em Deus, Nossa Senhora de Nazaré. Sou daqueles que acompanham o Círio, que se emocionam com a passagem da Santa na berlinda. Eu acredito em Deus, mas num deus que é também Deusa. Acredito numa força criadora que é hibrida e entendo Nossa Senhora como a face feminina desse Deus.

Ópera Profano não seria principalmente uma crítica? Uma crítica social ao cenário religioso e sexual de Belém?

Perfeitamente. Belém tem uma tradição cultural muito austera, pois ainda paira na cidade certo palco francês. É preciso profanar um pouco tudo isso. O que é o profano? Na origem da palavra, é o que esta fora do templo. Então saiamos dos templos culturais e religiosos, permitamo-nos vir às ruas e ver que somos o mesmo grão. Diversos, mas frutos do mesmo grão. É uma crítica ao Brasil, na verdade. Ainda mistificamos muito a sexualidade, o que é uma grande tolice. Somos todos sagrados e profanos, sem que isso deva causar ruído algum.

De qual maneira mistificamos a sexualidade?

Mistificamos tudo aquilo que não entendemos. Se está fora dos nossos padrões mais banais de entendimento, merece virar um quê a se estranhar. Falo mistificar no sentido de criar mistério. O travesti é exatamente isso: por não ser o óbvio para muitos, vira um mistério de entendimento. Então, o mais fácil é demonizar. Porque foi isso que a fé católica ensinou ao longo dos séculos: o que não está na esfera de entendimento e aceitação, tem que ser queimado na fogueira. Transformamos essa fogueira e talvez ela não seja com madeira e combustão, mas ainda existe. É a fogueira da intolerância. Quando um jovem quebra uma lâmpada fluorescente no rosto de outro só porque o julga mistério de entendimento, ele está lançando essa pessoa à fogueira.

Carlos, você fica ligado nas questões de militância LGBT? Acompanha noticiários envolvendo o tema gay?

O tempo inteiro. É minha obrigação. Claro que sim. Eu quero ver, quero saber. Tenho que manter meus olhos atentos. Eu penso que um escritor, que um artista é um catalizador do que acontece em seu tempo. Eu tenho que mergulhar nos ódios e amores do meu tempo. Todos eles. Porque isso é a minha matéria de criação. É para falar do meu hoje que sou um escritor. De algum modo, aquela lâmpada foi quebrada no meu rosto também.

Vou falar de algo que me incomodou. Por qu, nos seus textos, o artigo para travesti é sempre no masculino (o travesti)? E por que não selecionaram travestis de verdade para protagonizarem o musical?

Muito bom tocar nesse assunto. Uma das nossas primeiras vontades era ter de fato travestis em cena. Mas aí esbarramos numa dificuldade: o receio dos próprios travestis. Não conseguimos encontrar. Tínhamos outra dificuldade: por se tratar de um musical, precisávamos de atores-cantores. No final, fechamos um elenco que é de ouro, que vai para a cena com muita vontade de mostrar a alma do travesti. E penso que chegam lá. Quanto ao artigo, é algo a se discutir. “A” travesti ou “o” travesti, acho belo se isso pudesse gerar um debate. Uso “o” porque acho bonita a ambigüidade que causa.

Sei que você vai estrear o infanto-juvenil Ludique. Ele tem temática LGBT?

Alunos da rede estadual de ensino encenam Ópera Profano

Não, ele não tem. Mas adianto que meu sonho é escrever um texto para a infância e juventude que mergulhe no tema LGBT. Acho perfeitamente possível e necessário. Mas tem algo que merece ser destacado ainda sobre a Ópera Profano. Ela também foi montada por um grupo de adolescentes da rede pública, jovens na faixa de 14 e 17 anos, incentivados por um mega professor de Belém, o mestre Helder Bentes. Foi uma polêmica. Aí sim, foi uma mega polêmica. Claro que houve inúmeros cortes e adaptações, mas a peça foi montada por esses jovens e apresentada na comunidade deles, no salão de uma igreja (risos).

Você lançou um blog de contos atualmente... O primeiro já traz a história de uma travesti? Pode adiantar algo?

Sim, o primeiro conto que fiz questão de postar é justamente uma narrativa protagonizada por um/uma travesti: Lady B. A ideia de criar o blog surgiu da necessidade de organizar em um só canal os meus contos. Eles estavam muito dispersos. Meu próximo romance é voltado à temática. Chama-se Príncipes. Uma história de amor ambientada no século XIX, conta a relação de um senhor de engenho com um ex-escravo. Foi fruto de uma pesquisa que tenho feito sobre a homossexualidade no Século XIX.

Ópera Profano volta no início de 2011. Pensa em encenar a outros Estados?

Com certeza! Aqui em Belém voltamos em maio. Mas já começamos a nos preparar para viajar. O grande desafio é o patrocínio. As empresas têm resistido em nos patrocinar aqui, e isso é uma prova de preconceito. Para você ter uma ideia, um dos nossos apoiadores não quer nem ser citado. Ele apoia, mas não quer a marca divulgada, pode? Decidimos não trabalhar mais com ele, queremos marcas que tenham coragem de ser o que são.

ENTREVISTA ORIGINALMENTE PUBLICADA NO SITE MIX BRASIL

Um Invento todo poético natural do Pará

2010-12-12T17:30:00.006-03:00

Helder Bentes

Professor e Crítico de Literatura

Quem não se lembra da banda paraense Florbella Spanka, que nos idos anos 90, badalou muitas noites nos saudosos bares GoFish, Babadú, Resumo, Manga Café, Sebastian Bar e Degrau, além do ainda atuante Cosanostra Café? Pois é. No mês de aniversário de nascimento e morte de Florbela Espanca, a ex-vocalista da banda-xará da poeta portuguesa comemora o sucesso de uma importante iniciativa em sua carreira solo.

Estou falando da cantora paraense Sônia Nascimento. Dona de um potencial vocal de mezzo-soprano, com timbre que não pode ser medido por falta de um termo de comparação aqui no norte, Sônia tornou-se conhecida por aqui, embalando as noites paraenses com muita MPB e Pop Rock, ao lado de músicos da já mencionada Florbella e da banda Jardim Elétrico.

Depois de residir um tempo no Rio de Janeiro, Sônia voltou ao Pará, a fim de executar o Projeto Sopro dos Ventos, que visa à gravação de um CD com o repertório do show Invento, contemplado pelo Edital Prêmio Secult de Música 2009. Depois de ficar em cartaz às terças-feiras de novembro no Reator, o show será apresentado no palco do Margarida Schivasappa, dentro do Projeto Uma Quarta de Música, no próximo dia 15, às 20h00, com ingressos a apenas 10,00 (dez reais).

Numa época em que já não se sabe mais ao certo o que quer dizer MPB, Invento é, no mínimo, um título sugestivo para um repertório que inclui compositores como José Miguel Wisnik, Maurício Pereira, Nei Lisboa, Paulinho Moska, Dulce Quental, Zeca Baleiro, Fagner, Kassin, Renato Torres e Edyr Gaya. É desses dois últimos uma das mais belas canções que poderão ser ouvidas por quem for ao Schivasappa nesta quarta. Não se poderia esperar outra coisa de uma parceria com o músico e poeta Renato Torres. Veja:

ALGUM MAR (CANTAR)

Renato Torres e Edyr Gaya

Por que cantar?

Pra ficar perto de um certo intuito,

Ser muito e tudo, e nada mais desperdiçar.

Juntar o que despedaçar

E ir ao fundo, ao nó do medo

Abrir o jogo e atear fogo

Ao pé do ouvido, até o sentido

Se purificar (modificar).

Parir saudades, dourar momentos,

Vontades soltas pelo vento, um novo ar,

Por um segundo segurar no canto

O mundo, onde vai sossegar

O impulso irresistível de sonhar.

Pra encontrar

O que não tenho, de onde venho,

Ter o desenho precioso do que sou,

Ousar ouvir, na minha voz,

Algo mais do que palavras vãs.

Algum mar fundo o bastante

Pra se mergulhar.

A canção fala da funcionalidade da arte de cantar (Por que cantar?). O que há nesta ação de tão verbal? A letra joga com a recorrência sonora entre “intuito” e “muito”, para falar de “um certo intuito” que intensifica o ser; cria a antítese tudo/nada, para indicar as possibilidades infinitas do ser e o que não pode mais ser desperdiçado. Lembro-me de Renato Russo: “Descompasso e desperdício herdeiros são agora da virtude que perdemos”.

A canção de Torres e Gaya cria também uma recorrência sonora da raiz de “despir”, para se referir ao desperdício, que cessa ao canto, e à antiação de despedaçar, para se referir à função recompositora do canto.

A função do canto é mesmo ir ao fundo, desatar o nó do medo, abrir o jogo e atear fogo ao pé do ouvido, até o sentido se purificar. Os artistas paraenses precisam se unir num grande mutirão contra tecno-brega e coisas do... Como diria? Gênero? Bem, desculpem-me, mas, em se tratando de arte, o que eu entendo por gênero é outra coisa que não me permite relacioná-la ao que a indústria “cultural” (entre aspas porque cultural também é outra coisa) quer porque quer difundir como “coisa nossa”. Deus me livre!

O Pará tem cantores e compositores maravilhosos, gente que escreve letras de verdade, verdadeiros poemas cheios de sintaxe bem elaborada, configurações formais e sonoras edificadas sobre o que há de mais potencialmente significativo no vocabulário nortista. Temos também gente muito capaz de compor ritmos e melodias genuínas, que superam quantitativa e qualitativamente essas porcarias que tocam nas rádios populares, nas festas de aparelhagem e nesses malditos celulares que alguns desprovidos de senso de vida em comum ouvem nos coletivos de Belém. Sinceramente, fico com pena dessas pessoas que ostentam seus atestados de vítimas do sistema com tanta inconsciência e orgulho. Dá vontade de puxar uma carteira escolar e dizer: “Agora senta aqui, meu filho, que eu vou primeiro te ensinar o que é música de verdade, pra depois tu te iniciares em música paraense”.

A música – Atenção! Eu disse M Ú S I C A. Não qualquer barulhinho repetido com gemidos fanhosos e roucos disfarçados de canto – faz mesmo parir saudades. Sim, meus caros, porque, em arte, o verbo “parir” também se completa com qualquer palavra que a gente queira. Assim como o verbo “dourar” pode ter a palavra “momento” como objeto e, assim, construir um significado que desafia a inteligência humana, porque foge do corriqueiro, do banal, do usual, do que tu já sabes... É a poesia quem satisfaz a tua necessidade do novo, quem te salva dessa mesmice em que te querem os sujeitos das tenebrosas transações a que se referira Chico Buarque em “Vai Passar”. O que é isso? Pára de fuçar a vida dos outros nesse orkut, sai desse twitter, desconecta esse msn e vai procurar saber o que todo mundo que tem o mínimo de cultura letrada neste país já sabe.

Estamos cada vez mais castrados pelos imperativos deste sistema de produção capitalista que, não porque virou uma ordem mundial, vai governar meu juízo de gosto. Meu infinito particular não tem que necessariamente aderir a tudo o que este maldito sistema... Cria? Criação pra mim também é outra coisa.

Nossas vontades estão de fato soltas ao vento, e o canto pode ser mesmo este lugar que reúne o disperso, ajuda-nos a organizar as ideias e nos devolve o sonho, faz-nos encontrar o que não temos, entender nossas origens, delinear nosso ser, imprimir algum mar à voz já condicionada a palavras vãs.

Explorando possibilidades rítmicas e visuais, Sônia Nascimento goza de um privilégio de poucos artistas brasileiros, fazer sucesso cantando o que gosta, o que a emociona. Ao longo de sua vida de estudante, Sônia participou de vários festivais e apresentações internas no colégio e na universidade, onde chegou a cursar até o terceiro ano de Medicina Veterinária. Depois passou a se apresentar na noite com vários músicos paraenses. Fez teatro, onde trabalhou com Cacá de Carvalho. Estudou canto com o maestro Adellermo Mattos, que a aconselhou a se dedicar ao canto lírico. Mas ela, por ser amante da MPB, preferiu o popular ao erudito, embora o rigor artístico empregado em Invento não lhe tire o mérito da erudição.

Depois de haver montado um show em homenagem a Noel Rosa, produzido por Cláudio La Roque, Sônia uniu-se aos integrantes da banda Moonshadow, que misturavam música, teatro e poesia. Uniram MPB com Rock e montaram a banda Jardim Elétrico, em janeiro de 1995. Em agosto do mesmo ano, a banda se desfez. Logo a seguir surgiu a Florbella Spanka, com a mesma sonoridade do antigo trabalho e a voz de Sônia Nascimento.

Infelizmente não disponho de espaço para comentar aqui toda a fortuna literária das letras de Invento. Mas, só para deixá-los com água na boca, olhem esta frase: “O sangue não se torna água”. Esta negação metafórica ou este anti-milagre que evoca um realismo possível na música paraense, em contexto otimista, faz parte da literariedade das canções do repertório de Invento.

Leiam o que escreveu Mariano Klautau Filho sobre Invento

A vanguarda GLBT na literatura de Adolfo Caminha

2010-12-08T14:28:00.004-03:00

Por Helder Bentes

Professor e Crítico literário

Em pleno século XXI – após a declaração universal dos direitos humanos e dos projetos de lei em favor da homoafetividade no Brasil que, se por um lado nunca foram votados, por outro representaram um avanço nas discussões relativas à sexualidade humana – ainda há quem “justifique” a homofobia pela insanidade skinhead nazista ou, na menos pior das hipóteses, pela palavra “de Deus”.

“Nazismo brasileiro” é coisa nada genuína de quem desconhece o contexto histórico da formação de nosso povo. Os alemães orgulhavam-se de descenderem da raça ariana. E nós? Com nossa passiva mentalidade colonialista, orgulhamo-nos de nossas origens indígenas e multiétnicas? A ditadura no Brasil é coisa do passado. Acabamos de eleger uma mulher militante da democracia como presidente do Brasil, e ainda há gente no armário, tomando o holocausto alemão como mentor intelectual da bichice enrustida.

Quanto ao uso da expressão “skinhead”, para se referir aos homofóbicos, não se deveria associá-la a práticas neonazistas (nada a ver também o uso do prefixo neo-, que significa “novo”, a uma coisa já tão ultrapassada!). Aqui no Brasil, o que o povo entende, quando ouve a expressão “skin”, é marca de cerveja. Skinhead, que significa literalmente “cabeça pelada”, no Brasil, pode ser confundido com aqueles caras que raspam a cabeça, para se parecerem com Ronaldo, o fenômeno, que – diga-se de passagem – também não tem nada contra homossexuais, principalmente travestis. Além disso, tradicionalmente os verdadeiros skins têm estado sempre à margem dessas atitudes condenáveis de agressões contra o próximo.

Neste começo de mês, a secular violência contra homossexuais torna-se ostensiva, numa das principais avenidas de uma das mais importantes cidades do Brasil. Esperamos que o Estado brasileiro tome providências contra isso, pois nada justifica a violência.

Quanto àqueles que justificam a homofobia pela bíblia, como sei que não adianta argumentar em favor de todo o conhecimento adquirido pelos etologistas em mais de um século de pesquisas, seria bom refletirem que eles não podem “normalizar” a sexualidade de ninguém, que só Deus pode fazer isso e que, se eles despejarem passagens bíblicas que acreditam ser contrárias à homossexualidade em cima de um potencial testemunho anti-gay, estarão negando a Deus a oportunidade de transformar o gay.

Portanto, caro cristão brasileiro, seja inteligente. Não será com protestos públicos contra projetos de lei que você vai transformar o Brasil em Céu. Até porque, desde que o mundo é mundo, a sexualidade humana corre frouxa, independentemente das leis criadas para regê-la. Tudo o que essas leis conseguiram, além de disseminar preconceitos, foi provocar o senso crítico de pensadores como Michel Foucault, que escreveu A História da Sexualidade.

Independentemente de poderem ou não adotar uma criança, de poderem ou não legitimar sua união perante o Estado, os gays continuarão sendo gays e transando tanto quanto quiserem, pois há forças humanas antiaderentes às imposições ideológicas da vida social, e a sexualidade é uma delas.

A vanguarda do movimento GLBT também repercutiu na literatura do século XIX, através do romance Bom Crioulo, do brasileiro Adolfo Caminha, escritor de tendências realistas naturalistas, mesmo autor de A Normalista.

Considerado o primeiro romance homossexual na história de toda a literatura ocidental, Bom Crioulo foi publicado em 1895. Lógico que, se ainda hoje há quem se escandalize com a exploração da temática gay por autores que escrevem telenovelas, imagine ao final do século XIX. A crítica literária da época tratou a obra como se tratava a questão homossexual há bem pouco tempo, simplesmente ignorou. Poderiam ter tomado a obra como mote para discutir a homossexualidade como um problema, já que todo problema pressupõe uma solução, ou como uma doença, já que toda doença pressupõe uma cura, mas não.

Adolfo Caminha ousou propor uma reflexão sobre o sexo inter-racial e a homossexualidade nas forças armadas, numa época em que discriminação racial não era crime, e o termo “armado” não tinha nenhuma conotação sacana.

A ação é protagonizada por Amaro, um escravo que sonha com a liberdade e vê no serviço militar a possibilidade de chegar mais perto deste sonho. Paradoxos à parte, o fato é que estar na Marinha é menos pior que ser escravo. Amaro é um negão musculoso, másculo, viril, que se destaca entre os marujos como bom crioulo. Ele conhece Aleixo, um rapaz louro, de olhos azuis, por quem se apaixona loucamente, a ponto de brigar para defendê-lo, embriagar-se e precisar conhecer uma disciplina bem diferente daquela aplicada aos escravos das fazendas cafeeiras. Apesar da dúvida entre o amor ou a gratidão de Aleixo, o bom crioulo sente-se seu marido. Adolfo Caminha propõe o amor como um acontecimento arbitrário em relação às leis que tentam lhe impor freios.

Em homenagem aos homofóbicos

Quanto ao erotismo, a visão é proposta como recurso erótico, pois Amaro sente mais prazer em registrar em suas retinas o lindo corpo de Aleixo do que em concretizar o ato sexual, desmitificando a ideia de que o homoerotismo deve chegar necessariamente às vias de fato. Destaca-se também neste sentido a criatividade do autor em fazer uso dessas sutilezas, que não são mentiras, para contrariar a expectativa da verdade, no senso comum, a respeito de sexualidades não-convencionais.
Os encontros entre Amaro e Aleixo tornam-se menos recorrentes em função dos compromissos de trabalho, até que Aleixo é seduzido por uma mulher, o que imprime ainda mais sofrimento ao drama vivido por Amaro. As permutas amorosas também existem no universo homossexual. Infidelidades, traições, seduções, conflitos, enfim, tudo o que acontece subjacente à decaída afetividade humana é explorado por Caminha neste romance.

Não vou revelar o desfecho desta narrativa. Quero apenas acrescentar que este romance deve ser leitura obrigatória nas escolas da capital paulista e de todas as outras cidades brasileiras, onde quer que haja homofóbicos se ocupando de agredirem pessoas humanas dotadas de afetividade, onde quer que haja quem se sinta ultrajado ou pessoalmente ofendido pela presença ou existência de homossexuais.

O ESPETÁCULO TEATRAL ÓPERA PROFANO

2010-11-26T18:11:00.006-03:00

A travesti Baby contaminada pelo HIV

Desde que o teatro renascentista e humanista italiano rompeu com as tradições do teatro medieval, a montagem de espetáculos teatrais experimenta de evoluções cênicas a mecanismos de infraestrutura, permitindo maior versatilidade nas representações. Mas toda essa dinâmica só acontece em função da cena, isto é, da ação que dá vida às personagens.

Frutos da imaginação criadora do premiado dramaturgo paraense Carlos Correia Santos, as personagens Baby, Tota, Mira, Lucas e Ângelo, do musical Ópera Profano, receberam, pela primeira vez, o “sopro da vida”, sob a direção de Guál Dídimo e Haroldo França. Ao lado do fantástico representado pela Misteriosa (Cacau Novaes) e seus conselheiros (Marlene Silva e Haroldo França), essas personagens dão o recado contra o preconceito sexual e religioso que impera em nossa sociedade. O espaço cênico é o Cine Ópera, “um cinema sujo, dedicado ao prostituir-se” – como afirma um dos conselheiros da Misteriosa, representando a voz da sociedade que, a despeito de todos os avanços da pesquisa humanista e da antropologia teológica cristã, ainda cultivam preconceitos e julgamentos que certamente seriam muito mais condenáveis para Jesus do que a prática da prostituição em si. Digam-no as Marias Madalenas da vida. Só elas sabem a dor e a delícia de serem o que são.

A personagem evangélica que seria vítima de apedrejamento, não fosse a sabedoria divina de Jesus, na peça de Carlos Correia Santos, é representada por Baby, Tota, Mira (três travestis) e Lucas, um garoto de programa que ganha a vida no Cine Ópera.

Léo Meneses

Baby é vivida pelo ator Léo Meneses, para quem a personagem não deve ser engraçada, pois se trata de uma travesti contaminada pelo HIV, cujo último desejo é ver a imagem de Nossa Senhora de Nazaré. A travesti começa a agonizar na véspera do Círio de Nazaré, em Belém do Pará, bem na hora da saída da trasladação (procissão que leva a imagem da Virgem à Catedral de Belém, donde sai a procissão do Círio, no segundo domingo de outubro). As condições psicológicas da personagem, alvos da investigação amorosa da Misteriosa, e a dimensão espaço-temporal de Baby, ao longo da trama, justificam a preocupação do ator que, para dar vida a Baby, precisou contextualizá-la tal qual fazia Fernando Pessoa com seus heterônimos. “Imaginei Baby em três momentos de sua vida. Aos 13 anos, um menino humilde, homossexual efeminado. Depois aos 20, já se prostituindo, numa vida marginal. E finalmente aos 30, já doente” – explica o ator, que exerce sua especialidade em canto lírico no espetáculo e atua pela primeira vez no transgênero gay.

Dário Jaime

Tota é a travesti que se solidariza com o último desejo de Baby e rouba a santa da capela do Gentil Bittencourt, um tradicional colégio de freiras da capital paraense, donde tradicionalmente sai a trasladação. Representada pelo ator e diretor teatral Dário Jaime, Tota rouba a imagem da Virgem e, em vários momentos, a cena da peça, pela irreverência e simpatia que Dário lhe imprime. O ator é paraense da Vigia, faz teatro há 12 anos e não é a primeira vez em que atua na montagem de um texto literário. Professor de Letras e Artes, ele entende perfeitamente bem a fortuna artística que é o texto de Ópera Profano. Também contextualizou Tota, com a ajuda do próprio Carlos Correia Santos, e mergulhou no processo caótico da personagem. Isto o ajudou bastante a lhe dar vida. Questionador e ousado, Dário Jaime parece haver feito uma Tota meio à revelia da direção do espetáculo, no exercício pleno de sua liberdade artística.

Fábio Tavares

O também professor e ator Fábio Tavares é quem vive a personagem Mira, travesti cinquentona que representa, ao lado de Nossa Senhora, o papel social das mães. Só que Mira é o lado ideologizado desta função materna, que tanto fora combatido pelo saudoso psiquiatra José Ângelo Gaiarsa. Formado em teatro desde 2008, Fábio Tavares vive, na verdade, três personagens em cena. Em dois deles exerce sua formação em canto lírico pela UEPA. Além da travesti Mira, ele vive a mãe de Baby, num retrocesso temporal, e o lado masculino de Mira, que não pudera exercer seu lado materno na paternidade. Trata-se de personagens tranquilos e equilibrados, mas Mira tem um lado malicioso e uma habilidade de dançar que também encantam o público.

O garoto de programa Lucas é vivido pelo ator Rafael Feitosa,. Estudante da Escola de Teatro e Dança da UFPA e dançarino da Banda Cheiro Verde, Rafael tem um corpo escultural e protagoniza duas das mais polêmicas cenas da peça, a do beijo gay e a do nu frontal masculino. Apesar disso, Rafael explica que o mais difícil é cuspir na imagem de Nossa Senhora de Nazaré em cena. Ele se declara católico e desabafa o quanto é difícil, sendo devoto de Nossa Senhora, fazer um personagem que considera mais santas as angústias que tem na alma. Apesar dessa dificuldade, desde a primeira cena, em que Lucas apresenta-se ao público como o corpo que é “cama para se deitar qualquer”, Rafael Feitosa demonstra realmente que cultivou a alma do personagem.

Rafael Feitosa e Tiago de Pinho na cena do beijo entre Lucas e Ângelo

A grande revelação desta primeira montagem de Ópera Profano é o ator Tiago de Pinho, que vive Ângelo, um gay no armário, apaixonado por Lucas. Estudante de classe média que representa os puros que querem “gozar rápido e sem compromisso”, Ângelo reproduz o discurso hipócrita de quem depende da aprovação dos outros, é dominado pelo medo e por uma insegurança devastadora que corroi sua auto-confiança. O ator que vive Ângelo não tinha experiência teatral nenhuma, inscreveu-se para participar dos testes de seleção para a formação do elenco e ganhou o papel. Seu desempenho em cena e o feedback empático do público não só testificam a sacada de Carlos Correia Santos em se inspirar na realidade, para reproduzir esses tipos sociais, como também derruba por terra o mito das sistematizações acadêmicas como pré-requisito único para a práxis.

Com a devida autorização do autor, os diretores da montagem defendem um teatro musical, uma coexistência entre poesia e música, bem ao modo do que aconteceu na literatura lusa até meados do século XV e que a indústria cultural contemporânea, sobretudo a paraense, parece ignorar. Os atores entoam 17 canções em cena, assessorados pela sonoplastia de Ramón Rivera e Armando de Mendonça, que chegaram a um consenso no processo de criação de melodias, a partir de formações clássicas em instrumentos de corda. O espetáculo também conta com a participação especial da companhia Mirai, na composição das coreografias, e estará em cartaz até domingo (28/11/2010), no teatro Maragarida Schivasappa, sempre às 20h00, com entrada a 10,00 (inteira) e 5,00 (meia).

QUEM NÃO TEM SEXO QUE ATIRE A PRIMEIRA BOSTA

2010-04-25T18:29:00.007-03:00

(Helder Bentes)

Assisti ontem a uma entrevista de Luiz Mott, Presidente do Grupo Gay da Bahia e um dos maiores antropólogos deste país, onde ele afirmou que esses homofóbicos que vivem agredindo homossexuais têm, na verdade, uma bicha louca acorrentada dentro de si.
Concordo plenamente! Se eu tenho segurança de minha sexualidade e sei que nada vai mudar minha orientação sexual, por que me sentir ameaçado com a existência ou presença de alguém cuja sexualidade se lhe manifesta de modo diferente do meu? Não faz o menor sentido!
A homofobia, além de ser uma coisa fora de moda hoje em dia, é um sintoma de insegurança sexual. “Todos têm de ser héteros porque eu não tenho coragem de ser homo” - pensa o inconsciente de um homossexual enrustido. “Faço um esforço danado pra parecer hétero e me crer hétero, e vêm esses gays assumidos desmoralizar minha normopatia”.
O termo normopatia foi usado pelo psicólogo e psiquiatra José Ângelo Gaiarsa, para designar aqueles que sofrem da doença do sistema: ser normal. Um normopata é um cidadão que não pensa, não despertou sua consciência crítica para se posicionar genuinamente frente às contradições da vida social, mas se orienta pelo senso comum, por uma rede de sugestão coletiva que determina o certo e o errado, sem maiores considerações. O normopata desconhece a dinâmica das estruturas de poder na sociedade e se desconhece como sujeito social porque se desconhece como sujeito individual. E todo homofóbico é um normopata, ao menos em se tratando de questões relativas à diversidade sexual.
Geralmente o homofóbico não se assume. Se inquirido quanto a preconceito ou discriminação, o homofóbico vai dizer que não tem nenhum tipo de preconceito e que não discrimina ninguém. Mas, ao analisar as entrelinhas de seu discurso, você perceberá as adversidades que ele constrói entre ser gay e ser qualquer outra coisa que preste, segundo sua cosmovisão normopata. “Fulano é gay, mas é gente boa; Eu não tenho preconceito, desde que me respeite” – são alguns exemplos de frases carregadas de homofobia. Quem disse que há alguma adversidade, contrariedade ou oposição entre ser gay e ser gente boa? Quem disse que ficar a fim de alguém é falta de respeito?
Todos sabem que a infidelidade é uma realidade em todas as sociedades monogâmicas, tanto que homens casados fazem a capa como fiéis às suas esposas, mas por trás delas assumem, perante amigos de copo, de farra, de bola, etc., que são infiéis e até se orgulham disso. Mas quer ver um machista, preconceituoso e casado declarar-se fiel? É só um gay dar em cima dele. “Sou casado e muito bem casado”; “Não traio minha esposa” – responde o hipócrita, em vez de simplesmente dizer que não curte a parada ou que não é sua praia.
Em minha opinião, está na cara que, se esses homens escondem sua natureza poligâmica atrás de um casamento, podem também se esconder sexualmente, e desconfio desses homens que têm uma necessidade absurda de serem reconhecidos como peguetes, garanhões, mulherengos, etc. São criaturas incapazes de assumir compromissos. Desrespeitam a liberdade de escolha das mulheres, fazendo-lhes acreditar em mentiras, são escusos, vivem se escondendo, mais hesitantes do que excitantes, enfim, umas bostas de homem, que só reconhecem o espelho como valor porque reflete a imagem da única coisa que eles têm para oferecer.
O canalha que escreveu no jornal do curso de Farmácia da USP que quem jogasse merda em homossexuais seria premiado com um ingresso a uma festa, por exemplo, é certamente uma bicha louca acorrentada que se sente incomodada com os gays, que são muito mais machos do que ele. Ele assumiu a autoria de sua homofobia? Não. Ele sabe que isso é uma molecagem criminosa, nada ingênua ou inocente, como querem alguns, que tentam minimizar o fato como “brincadeira”.
Nesta sociedade normopata, cujas estruturas de poder sustentam-se à custa de pessoas de bem, independentemente de suas orientações sexuais, já imaginou se nós, gays, resolvêssemos jogar merda nos héteros?

2008-09-05T20:08:00.001-03:00

DESAPRENDIZADO
(Helder Bentes)

A página macula-se de solidão.
O destino violento fecha-me
Como pétala de rosa branca em botão.
O sereno desbota-me,
O silêncio debocha-me,
A voz cala-se à toa
A mão a bando nada
Recebe, nada doa,
E a canção repete-se
Enquanto algo voa.
Craque em cuidar de mim,
Desaprendo o cuidar de outros,
E há outro que só não sabe disso...

(Poema nascido na madrugada de sábado, 19 de julho de 2008)

2008-02-10T12:04:00.000-03:00

UMBIGO
Celso Miranda de Carvalho

Vocábulo feio que consente
o que calo.
Ponto de partida é que dita
a falta de regra.
Exceção que se revela entre
polegares ímpares.
Pares beiram à perfeição
da qual me afasto.
Não me basto.
Meu cordão umbilical ainda
te cercará.
De algum modo.
De modo algum.
Esquecimento vira vergonha
diante da minha platéia,
pois aplausos só para quem
convive com o tormento.

2008-02-10T11:16:00.000-03:00

LIBERTA AÇÃO
(Helder Bentes)

Inveja a vaca não me causa mais.
Aquele de Quem ela herdara o dar cria
Mostrou-me o sol nascente por trás
Das montanhas de dor choradas outro dia.

Quem de uma vaca com sino ao pescoço precisa
Tem o nada em si, sentidos débeis, morte em vida.
Quem de usar o outro é capaz assim
É mais digno da vaca que de mim.

E pra trás ficou o fato, o ato virou memória.
E minhas mãos erguidas ao alto receberam
Fogo que arde ao se ver a ferida que dói

E que se sente em descontente merencória.
E meus olhos lacrimosos dedos santos tatearam
E se me abriu a visão do que a alma me corrói.

2008-01-31T01:13:00.000-03:00

Este poema é o grito de dor simultâneo ao que magoa, quando, não satisfeito com a morte, o cadáver do eu suicida-se. Que seja útil neste mundo como nocivo fora o amor no peito da teimosia.

RÉ VOLTA (Helder Bentes)

Abro o word como quem abre o coração,
Como quem abre mãos ao vazio
E vai maculando a paz com o cio
Das paixões turvas sem atenção.

É o papel o corpo que tateio e amo cego
Com as vendas do amor que se me rasga,
Como se não me bastasse carências do ego,
Essa fenda de dor infinda que me traga.

Penetra-me o feno amargo, gritante e fedido
Que alimenta as vacas que não dão cria.
E ver-te assim do meu peito desprendido...

Ah, meu Deus! É contra-vondade que resta,
Enquanto vaca outra que dá cria
Goza o meu prazer em tua testa.

2008-01-25T18:07:00.000-03:00

PRETÉRITO DO AMOR
Celso Miranda de Carvalho

Não é exigência demais
para uma vida só?
A amargura do passado
ainda te machuca?
O convívio com o passado
virou alívio para a alma.
Meu espaço se perdeu
no teu tempo.
Inventar um amor é algo
que já não compensa.
É engano, é ingênuo.
E digo:
Fique com quem te
quer, de fato.
Fique com quente
ultimato.
E nos limites do amor,
eu me basto.

2008-01-24T19:13:00.000-03:00

PRÍNCIPE DAS ASTÚRIAS
Celso Miranda de Carvalho

Cavaleiro feudal em campo propício.
Barroco medieval era canto em precipício.
Sua carapuça era armadura emprestada.
Corpo que se desfez para encarnar um senhor.
Além de suserano, era vassalo.
Desprendido do beijo, do abraço.
Vivenciou mentiras trocadas por meias verdades.
Trocou terras e desleixos pela princesa.
Perdeu o eixo com tamanha ousadia.
A sabor sentir, calou o vento como resposta.
Amor é fantasia que tempo algum cura.
Que nem solo fértil muda.
A inteligência deixou de ser insistente.
Procurou por novas comoções.
Desvendou novos castelos.
Tentou ser o grito mais forte.
Tentou ser o alto clero.
Seguiu Talião e foi o rancor retumbante.

2008-01-18T11:23:00.000-03:00

ORAÇÃO SEM SUJEITO
Helder Bentes

Hoje acordei com a maldade me puxando o cabelo
E quebrando meu pescoço a me esfregar na cara
O dia que chegou sem Sol:
"Olha, desgraçada, a neblina à tua volta" –
Disse a realidade com uma cara que não era a tua
Eu indiferente, sem reação e com a mágoa nua,
Mais do que antes de haver te conhecido,
Senti-me morta!

Nem me lembrava mais como era este antes
Que o tempo tirano trouxe de volta quando te levou
Sinto-me sem direitos, injustiçada e me pergunto:
Que fazia eu de imperfeito?
E os cem porquês são sem respostas
Porque eus líricos amadores não têm méritos nesta vida
Em que se vive pra morrer
Em que se consegue menos do que se tenta
Em que ao bem o mal vem com voz violenta
E invade o canal afetivo da mulher
Vomitando sangues e escarros
Abrindo crateras no peito
Lacrimando o leito
Coibindo o jeito
De amar, oração sem sujeito...

2008-01-14T23:06:00.000-03:00

MEU NOME

Helder Bentes

Há na atmosfera um ar que respiro melhor

É o alimento da minha vida quando estou faminta

É a água gélida que a garganta sequiosa só

Quer na sede do dia-a-dia de paz extinta

Esse ar, quando se movimenta, faz meu peito dançar

Meu coração é uma bailarina

O amor é música

O ar é platéia

O vento, aplauso

Sou toda Nascimento

A beleza não tem gênero

E sou Du arte

Lembro meu homem

Esqueço o efêmero

Sou do ar parte

Eder é meu nome

2008-01-14T22:45:00.000-03:00

JARDIM DO EDER
Helder Bentes

As notas de uma cantilena lírica
Substituem o som da tua voz
E a orelha sem língua aquecida
Chora a pele rebelde
Que outro paladar não quer
Dormências da alma gritam
O gozo de outrora em tom de voz
Triste, cansada, alma à parte ida
A alegria d´outra agride a memória
Destruindo adornos reminiscentes
E me sinto pior sem meu melhor
Meu Eder, meu eu, minha história

2008-01-14T21:42:00.000-03:00

FÁBULA DA METÁFORA
Celso Miranda de Carvalho

Sou a forma mais contida
de exagero daqui.
Quando minto sobre o que
sinto sou Salvador Dali.
Sou quase duas saudades.
Tenho mais que duas idades.
Amor que permeia sensações
desprendidas de tempo.
Apesar do medo que sou,
sou coragem quando me
disfarço de metáfora.

2008-01-14T21:38:00.000-03:00

BOLO DE FUBÁ
(Celso Miranda de Carvalho)

É bolo bom.
Bolo que nutre a barriga
e ameniza os surtos.
Bom para não pensar
no futuro,
pois o passado vira
o único legado.
E a noite pode até
abandonar o sol,
mas cuida do
dourado mormaço.
Mais que um sabor,
é uma dádiva.
É fruto da terra de Judá.
Desfruto do bolo de fubá.

2008-01-06T17:51:00.000-03:00

ISSO QUE CHAMAM VIDA
(Helder Bentes)

Anjo meu, tu existias e eu não sabia,
E teu corpo não era imaginação.
Uma trajetória para mim tu construías,
E não era teu Ser quimera ou utopia.
Hoje eu sei que tu existes, estás e és
No tempo e no espaço da minha vida.
Podes ser visto, contemplado e adorado.
Mas, para adorar-te como eu,
Nem todos têm sensibilidade.
Como se conquista tua não fosse
Este amor que me consome o peito,
Penso que apenas eu sei amar-te,
E este é o grito de horror
Que eu lanço aos Céus.
É da minha carne a dor
Da paz que me davas, o escarcéu.
Meu amor vale tão pouco, meu Deus!
Precisei de ti pra Ser a Mulher que quiseras
Se me faltas, morro eu sem meu ar de outrora.
Sou folha seca pisoteada pela vida
Sou menina sem Nascimento
Sou pela metade sem graça nem surpresa
Sou nada ao Tudo que me és
Rasga-se o poema inútil
E pra que viver se o futuro é a morte,
A solidão, o desprezo, a ignomínia?
Sem você, meu bem maior,
Eu nada tenho a dar pelo amar
A cada tecido de quimeras cuja raiz
Crescera em nosso peito fértil
Sinto a tristeza da morte, o desespero...
A felicidade era sonho
A realidade é o pesadelo
A dor que eu pensei finita
É minha, eterna e definitiva
E eu nada sei disso que chamam vida.

2007-12-12T16:14:00.000-03:00

HERANÇAS DE AMOR
(Helder Bentes)

Há no Céu uma Estrela
Outrora reluzente aqui na Terra,
Uma Estrela de sorriso largo
Cujo brilho iluminara meu caminho
Na direção do melhor de mim,
Uma Estrela que pusera a mão no prato comigo
Sem jamais haver me traído,
Uma estrela que amou de forma una,
Desfazendo mistérios da vida na morte.
Ao ocupar seu lugar no Infinito
Essa Estrela ensinou-me
Que a felicidade para Deus é outra
Que o viver é espiritual
Que ao nosso sofrimento
Deus chora junto conosco.
Essa Estrela voltou ao Paraíso
Porque sentia saudade do Infinito
De lá a estrela em nós reflete Saudade
Alegria, gratidão e as melhores lembranças de fé,
Solidariedade, generosidade, bondade...
Célio, Filho do Céu tu és,
Território santo de amor,
Tua vida consagrada a Deus,
Desde o projeto do Sagrado Coração,
É hoje autora de um milagre em nossa dor,
O milagre do coração partido que se recompõe
Nas heranças de amor que nos deixaste.

Poema dedicado ao amigo Célio Costa, falecido em 09/12/2007

2007-12-05T13:30:00.000-03:00

ESFINGE
(Helder Bentes)

Sou a que traz na aorta as batidas do amor.
Sou o que sente no peito a virulência da dor.
Sou a que se projeta no imaginário dos meninos,
Somente até se tornarem homens como eu.
Mais do que o pilar da ponte de tédio que vai
De mim a outro eu, há outro eu em mim.
Sou a costela de Adão que o mundo só vê só,
Ermei-me com o sopro da solidão ao nariz de pó.
Sou mulher de Atenas que vive a penas
Abortar quarentenas insaciantes de carícias plenas.
Duas vezes uma das três letras de Helena que trago no nome
Dão ao H do homem que há em mim as aberturas de Eva
E minha voz grita meu segredo fecundo.
Sou da Grécia o mito da Esfinge que devora
Quem deveras seus deveres não decifra.
Sou o dever de quem quer Ser amado.
Sob a proteção do Senhor de Ogum
Cavalgo um pégaso alado
E sou Senhora dos templários da Quimera
E assim sou a Vitória sobre o fado
Mais do que se me vestissem a grinalda de Hera.

2007-12-05T13:27:00.000-03:00

NESTE INTERIM
(Helder Bentes)

Entre uma e outra ação
Memória parece outro eu,
Vontade racional errante voa
Como fumaça do fogo que arde sem se ver.
Entre mentes de um longo ínterim
O incontável Cronos ressoa o grito
Do teu nome errante
Nas Asas que me evadem do comigo.
E eu soror toda saudade,
Sonhadora edificante de quimeras,
Sinto-me irmã na Dor de Flor Bela
Bendizendo o beijo da boca de Hera
Que mais do que eu ousar te quisera

2007-12-05T13:21:00.000-03:00

O INVERSO DA FÉ OPACA OU A HOMOAFETIVIDADE DE DEUS
Prof. Helder Bentes
Pesquisador em Ciências da Linguagem

Desde a publicação de "O que a Bíblia realmente diz sobre a homossexualidade" (São Paulo, GLS, 1998), em que o Pe. Daniel Helminiak critica a utilização da Bíblia ao pé-da-letra como ferramenta de condenação da homoafetividade, um cristão servir-se da Bíblia para justificar seus preconceitos e discriminar um homossexual chega a ser um atentado contra a inteligência e a consciência crítica.
A Bíblia é uma coletânea de livros considerados sagrados pela Igreja, mas escritos por homens, em tempo e espaço historicamente determinados. Muitos dos textos que estão ali foram produzidos numa época em que a mitologia era a única concepção possível. Vem daí a versão cosmogônica de Adão e Eva, bem como a diversidade de concepções a respeito da Divindade. A própria Igreja Católica reconhece que os 11 primeiros capítulos do Gênesis não podem ser tomados como referencial histórico da Cosmogonia.
Além disso, a Bíblia, como todo e qualquer livro, tem contextos imediatos e situacionais que devem ser levados em conta, para que o cristão possa explorar toda a riqueza semântica daquilo que ele acredita ser a "Palavra de Deus". Em outras palavras, ao lermos um texto, precisamos considerar todos os fatores que regulam sua produção de sentidos, tais como autoria, motivação, destinatários imediatos, finalidade, circunstâncias históricas, tempo, espaço, funções de linguagem, gênero literário, etc.
Não podemos nos esquecer também de que a oralidade, com todas as suas limitações comprometedoras da verossimilhança, foi a matriz de muitas histórias da Bíblia e que, quando tais histórias configuraram-se na escrita, isto não aconteceu em Português, mas os manuscritos destas versões impressas foram produzidos originalmente em grego, hebraico e aramaico. Ora, todo mundo (ou quase todo mundo) sabe (ou pelo menos deveria saber) que há perdas de sentido no processo de tradução.
Em suma, aquilo em que muitos padres católicos e pastores protestantes apóiam-se para condenarem gays e lésbicas ao mármore do inferno, na verdade, pode não ter o sentido que lhe pretendem imprimir para defender as ferramentas difusoras do poder e mantenedoras do ethos cultural capitalista.
Nada disso, porém, quer dizer que a Bíblia não tem valor como "Palavra de Deus". Tem sim, mas somente se o cristão tiver bom senso ao ler esta "Palavra". Ter bom senso, neste caso, significa aplicar sua inteligência para perceber que não pode haver contradições na "Palavra de Deus". Vejamos um exemplo simples:
Em Marcos 12, 31 está escrito "Amarás o teu próximo COMO A TI MESMO". Isto significa que o amor A SI MESMO é o referencial do amor ao próximo, ou seja, uma pessoa precisa amar-se para amar o outro, pois o amor próprio e a auto-estima são as condições necessárias para que "Tudo o que quereis que os homens vos façam, fazei-o vós a eles"(Mateus 7, 12). Como uma pessoa que sofre discriminação por causa de seus desejos afetivos pode amar A SI MESMA? E, se não pode amar-se, poderá amar os outros? O conhecimento desta verdade bíblica deve conjugar-se a outros tipos de conhecimento do leitor, para que o sentido da "Palavra" seja alcançado. Somente a partir do momento em que o leitor começar a viver o que aprendeu com este tipo de leitura pragmática é que a "Palavra" revelará sua dimensão divina, pois "o Verbo se fez carne e habitou entre nós"(João 1, 14).
Já está comprovado cientificamente que a orientação sexual humana varia de indivíduo para indivíduo, de acordo com uma conjunção de fatores históricos, culturais, filosóficos, psicológicos, sociológicos, genéticos e pessoais.
Homossexualidade não é doença, não constitui ameaça à família, à função reprodutora da sexualidade ou a outras instituições verdadeiramente úteis a nossa organização social, haja vista tratar-se de algo muito pessoal, como o é qualquer outro exercício do direito à sexualidade que não cause prejuízo a ninguém. Logo, a homossexualidade não pode ocupar espaço no mesmo paradigma de "taras", tais como pedofilia, zoofilia, necrofilia e práticas de violência sexual como estupro ou sadismo.
A homossexualidade distingue-se da heterossexualidade pelo objeto do desejo e por concentrar-se apenas na função prazenteira do sexo, sempre reprimida pelos setores dominantes da sociedade. Pois o que de fato interessa para estas instâncias é a reprodução, a manutenção da espécie, a garantia do patrimônio, a posse continuada de bens, etc. Isto explica o porquê do matrimônio como sacramento, da fidelidade exclusivista, das relações afetivas rigorosamente fechadas e da monogamia compulsória que fazem parte da cultura ocidental.
Mas não se pode permitir que a sexualidade humana seja culturalmente determinada, pois a sexualidade pertence ao âmago da pessoa e não é uma escolha, como querem alguns, pois ninguém opta livremente por atrair-se pelo sexo oposto ou pelo mesmo sexo. Esta "escolha", na verdade, é condicionada por determinantes genéticas e psicológicas. Reprimir a sexualidade de um indivíduo é o mesmo que impedi-lo de ser ele mesmo, pois sexualidade é muito mais do que excitação física ou orgasmo. É também capacidade de sentir afeto, admirar o outro, sentir-se emocionalmente próximo do outro, envolver-se com paixão. É sensibilizar-se com a beleza do outro, sair de si para unir-se a outro, avaliar a vida em função daquilo que também é bom para o outro. Enfim, a sexualidade faz parte da capacidade humana de amar.
Infelizmente, as religiões cristãs, que deveriam ser as primeiras a valorizar essa capacidade nos humanos, têm contribuído de modo preponderante para reprimir tal potencial afetivo naqueles que não atendem literalmente ao "crescei e multiplicai-vos" da cosmogonia judaico-cristã. Isto aumenta o preconceito, a discriminação, a exclusão e ódio contra quem for diferente.

2007-11-24T02:26:00.000-03:00

SENTINELA
Celso Miranda de Carvalho

O amor está em falta.
Está em falta comigo.
Era a essência do pão.
Era o trigo.

Não mentem - as cartas.
Não fecham - os cortes.
Há vida em Marte.
Há sina na morte.

O amor está em alta.
Está em alta contigo.
Era a essência do ódio.
Era o inimigo.

Cuba - sentinela Fidel.
Cubra - sentimento fiel.
Bariloche que te distrai.
Fantoche que me destrói.

2007-11-15T23:59:00.000-03:00

DECLIVE

(Helder Bentes)

Outrora eu era Princesa

De causar inveja em plebéias
De arrematar-te em minhas teias
E hoje do teu peito forasteira
De fidalgas invejosa e velha
Em cujo sangue corre tuas veias
Sou irmã das coitadas de amor.

Rainha fui no Presente
Do Reino do tempo
E fiz do Futuro a memória
Da realidade a Fantasia
Da ausência a Presença
E destruí a falta
Muito antes de Drummond.

Hoje sou pedinte
Vivo sem ter onde
Reclinar a Cabeça,
Que é Teu Reino, meu Conde!
E vivo renitente
Sem ser nada
A penas pré-tensa condessa
Do Império da Dor
Que tanto amor esconde!

2007-11-07T12:28:00.000-03:00

ESTRANHO DES(D)ENHO
Celso Miranda de Carvalho

A moldura não é mais reflexo.
Um porém coberto de gergelim.
Sonho sem nexo.
Estranho desenho.

São indiferenças que pouco
fazem diferença.
Tanto faz.
Calmaria que o sopro desfaz.
Estranho desdenho.

Gritos maiores que o mundo.
Ouve - um surdo.
Houve - um surto.
Sol que se põe.
Beleza que se contrapõe.

A imagem é de Pablo Picasso, obra fotografada sem autorização, na exposição dos originais do pintor espanhol, em Belém do Pará.

2007-11-06T01:11:00.000-03:00

ESCRITA
Helder Bentes

Escrevo porque a linguagem
Tem propriedade ordenadora
Sobre o natural mente desordenado.
Escrevo quando lágrimas a penas
São o único acontecimento possível
E a escrita pode eternizar a consciência
Dos dedos que teclam sem tocar-te,
Das mãos que voam na busca da melhor
Forma de reconstruir o sentido
De uma vida única
Que sempre houve sem você.
Grafemo teu eu em mim
E de tanto divagar em morfemas
Descubro-me forma presa
À raiz da tua primeira pessoa.

Forma presa: Segundo o lingüista Bloomfield, "formas presas" são unidades lingüísticas insuficientes em si mesmas, para, sozinhas, constituírem um enunciado.
Grafemar: escrever
Morfemas: Em lingüística, as unidades mínimas significativas de uma palavra.
Raiz: morfema que traz em si a significação primária de uma palavra, seu sentido denotativo que nos remete ao mundo biossocial.

2007-10-31T01:05:00.000-03:00

FRASES FEITAS

Celso Miranda de Carvalho

A ouvir nada,

prefiro frases feitas.

Mesmo sem soluços,

ainda fico à espreita.

Minh'alma é casa dos outros

respirando por todos.

E quando o beijo é culpa,

a boca amarga é desculpa.

2007-10-31T00:56:00.000-03:00

ACABAXI COM HORTELÃ
Celso Miranda de Carvalho

A cabocla insiste nesse suco.
É verão que ataca,
que pede mais um.
Colorido como sempre.
Verde como nunca.
Verde é a cor da muda.
Verdade de amanhã,
raiz de hortelã.
Suco de ontem,
suco gasto.
Suco gástrico.
O cigarro que traga
pobre pêlo retruca,
nobre olfato não sente,
devaneio não escuta.
Sinhá, terra de labuta!
Dois gostos estranhos e
um sabor só.
Duas gargantas esfoladas em
um único nó.

2007-10-30T18:38:00.000-03:00

EIS-ME AQUI
(Pe. Fábio de Melo e Bruno Mortiz)

Tudo valerá:
Viver não será mistério,
O amor não será provérbio,
Se eterno tornar-se o meu sim.

Se tudo estiver
Ligado ao teu verbo eterno,
Por certo estarei bem perto
De ser do amor aprendiz.

Se minha vida
Em tuas mãos estiver,
Se a seiva da minha fé
Brotar da videira, Senhor,

Sempre haverá luz,
Se a porta eu deixar aberta,
Pra estrada não estar deserta.
Terei tua mão, meu Senhor,

Feito criança
Eu quero dormir em teu colo de Pai
Viver em tua companhia
É tudo o que quero, meu Deus.

Tudo tornará
Tão simples e tão sincero,
Tão puro e tão singelo,
Com gosto e cheiro de Céu.

Clara luz do Céu,
Que dissipa o poder das trevas,
Que bronzeia o trigo na terra,
Vem minh´alma acender dentro em mim.

Eis minha vida,
Meu sonho e inspiração.
Do fundo do coração
Respondo, Senhor, eis-me aqui.

Eu, Pinduca e Pe. Fábio de Melo fomos convidados do Portal ORM para o chat com internautas na transmissão do Círio 2007. Tive, então, o prazer imensurável de conhecer um pouco mais do trabalho deste homem de Deus que é o Pe. Fábio de Melo (ele mesmo! o gatão da foto!), prova viva de que a vida religiosa e a entrega radical ao Reino de Deus não é alternativa única para aqueles que se sentem excluídos dos padrões que regem a sociedade. Pe. Fábio está dentro destes padrões e, mesmo assim, optou preferencialmente por Jesus e seu Reino. A canção EIS-ME AQUI é uma oração em forma de poema, a poesia está na profissão de fé e na consagração definitiva ao Deus judaico-cristão. Oxalá um dia todos nós cheguemos lá! É o que desejo ardentemente para mim e para você que se deu ao trabalho de me ler até aqui.

2007-10-22T11:15:00.000-03:00

O QUE VOCÊ FARIA POR AMOR?
Celso Miranda de Carvalho

O que você faria por amor?
Daria um minuto de atenção
ou todo o seu tempo?
Daria o coração por inteiro
ou apenas um batimento?

O que você faria por amor?
Continuaria com orgulho ou
falaria uma palavra sábia?
Continuaria com desprezo ou
tentaria a última lábia?

O que você faria por amor?
Renunciaria à felicidade ou
recusaria uma oferta?
Seria feliz na cidade, na serra ou
em uma praia deserta?

O que você faria por amor?
Pensaria o dia todo ou
apenas um pedaço?
Andaria de mãos dadas ou
adoeceria descalço no mormaço?

O que você faria por amor?
Preferiria nada, água ou
o café adoçado?
Consumaria tudo, o mundo ou
apenas o beijo roubado?

2007-10-05T20:37:00.000-03:00

NENHUM
Celso Miranda de Carvalho

Sempre pensei ser mais cômodo escrever uma poesia para expressar minhas sensações a rabiscar algo mais concreto.
Era a única forma de amenizar a minha exposição.
De irrelevar meus sentimentos perante um público tão exigente e julgador.
Rimas, versos e estrofes já não fazem mais sentido.
São pequenas lacunas que, somadas, esburacaram meu coração.
Um amigo me disse que desistiu da mulher da vida dele para tentar a sorte com a que definiu como "mulher que pode me fazer feliz".
De começo eu não entendia, afinal estava anestesiado com outros pensamentos e devaneios.
Era algo que tirava a minha liberdade de expressão.
Analisei o cotidiano monótono que a vida nos proporciona e passei a confiar piamente na existência dessa hipótese.
Mais na hipótese que no amigo. Brincadeira ...
Não sei mais o que me atormenta, tampouco quem provoca esses momentos lúdicos e surreais.
Não, não consigo mensurar.
Não quero me considerar um presunçoso ou discípulo de narciso, mas creio que só eu posso me fazer feliz nesse momento.
E mais ninguém.
Espero que os acasos que outrora me afastaram do caminho da perdição (no melhor sentido) possam repensar e me dar um voto de confiança, afinal, meus sentimentos são os mais cristalinos possíveis (espero que sejam).
Espero também, em Deus, as respostas para as minhas orações, e não para as minhas perguntas.
Obrigado a todos que, de algum modo, sempre me ajudaram no caminho que leva à "quase felicidade", pois a própria, em sentido pleno, não me fascina mais.

2007-10-05T20:15:00.000-03:00

PÃO DO AMOR
Celso Miranda de Carvalho

Um sorriso estampado no rosto.
Um sorriso no rosto estampado.
Meu mau gosto, meu pecado.

Uma saia jeans comum com
blusa branca por essência.
Perfume francês serviu de desculpa
pra uma aflição indecente.

Dê um pouco mais de você,
de mais alguém, amém?
Ame demais seu espelho,
ame demais alguém.

Abrace, sem vergonha, o
seu par.
Role na areia,
desemboque no mar.

Sinta o carisma do
bronzeado do sol.
Aplauda sua aparição diária,
seja da praia,
da varanda,
ou do hall.

Tudo isso a dois.
Mesmo com erros,
com devaneios e
incertezas,
ora pois.

Viva pra dizer o
que achou.
Salive pra dizer
porque cuspiu.

Tente sentir a irrelevância do acaso.
Tente ouvir os mais velhos e
suas sabedorias inacabadas.

Prefira tango a bolero.
Morra de amor,
de vontade.
Apaixone-se uma vez por dia.
Seja por mim ou por outro alguém.

2007-09-15T11:05:00.000-03:00

O MARAJÁ
Celso Miranda de Carvalho

sou o aquinhoado que abusou de ti,
que cansou de tentar te despir.
dinheiro lavado era quase fascínio,
hediondos crimes também.
só não pude entrever menina tua,
tampouco conceber chacina crua.
e pode marginal haver a paixão?
como renunciar à coalizão?
animosidade no ermo cárcere.
conspiração emudeceu a luxúria,
além de calar boca tua.
soneguei sentimentos por acinte,
hei eu de convir!

2007-09-14T17:51:00.000-03:00

A POESIA É A RESPOSTA
Helder Bentes

A resposta é a Poesia
Voz dos Mártires da história

A resposta é a Poesia
Porque todos os poetas são fingir dores
A disfarçar deveras dores

A resposta é a Poesia
Para perguntas que rejeitam a Verdade

A resposta é a Poesia
Porque de todas as mentiras
Ela é a única Verdade

A resposta é a Poesia
Para quem prisioneiro é da sociedade

A resposta é a Poesia
Para tua fraqueza que me consome as forças
Forças que me custaram tanto...

A resposta é a Poesia
Para a falácia da força que não tens

A resposta é a Poesia
Para dúvidas que te cercam como os bens
Que te quisera eu do alto de meu devaneio de poeta

A resposta é a Poesia
Único grito de dor que me cabe
Depois de silenciar o Amor que me abre

A resposta é a Poesia
Que não vale a pena
Por tua alma Ainda pequena
Cujo tamanho comunga do amor teu

A resposta é a Poesia
Para te esconderes
Por me ferires
Para falsamente te beneficiares
Por amar-te

Para o consolo de minh´alma exposta
A poesia é a Resposta.

2007-09-02T18:21:00.000-03:00

PIROSE DE AMOR

Helder Bentes

Enquanto meu estômago de avestruz
Digere este teu âmago sórdido
As náuseas da angústia teimosa
Vomitam lágrimas do olhar.

Do olhar que se perdera no teu outrora,
Menino que és minha semente
Em devaneios oníricos d´alma carente,
Quanta dor há em mim pelo amor teu!

Quando for em si erre o peito meu
A fome sinestésica da tua ambição...
Calma... hei de ser forte!
Alma, hei de ter sorte!

Reterei somente o que for útil:
O sêmen lacrimoso no olhar,
A garganta sequiosa a continuar,
A verdade em mim a roçar
Como fosse tua pele que agora
A memória está a vomitar.

2007-09-02T17:31:00.000-03:00

MENINA DE ESPARTA
Celso Miranda de Carvalho

por quê atenas,
apenas?
eu prefiro esparta
minha menina marta

canto dos sábios
tremida dos lábios
palavras ao vento
um simples momento

armas redundantes
guerras semelhantes
cores e ardor
kamikaze do amor

arcos e flechas
luzes com mechas
comédia com drama
rainha da cama

joelhos com milho
qualquer impecilho
batalhas da grécia
constante inércia

por mais de cem anos
milhares de danos
por mais de milênios
chamas de incêndio

sou mais o país
a base, a raíz,
mas entre atenas e esparta
sou menina marta

2007-09-02T16:45:00.000-03:00

TE TI CONTIGO
Celso Miranda de Carvalho

Eu me perdi antes de te conhecer.
Eu te perdi antes de me conhecer.

Tu foste fitada pelos meus olhos
em mero esbarrão das almas.

Poço de vaidades entrelaçadas por
máscaras curiosas.

Consolo colossal.

Tu te perdeste em busca de paixões descontentes,
enquanto tuas pilhérias me bastavam.

Eu me refugiei nos devaneios do teu corpo,
mas tua estrela acampou em meus lábios inquietos.

2007-09-02T16:34:00.000-03:00

PROFECIA
Helder Bentes

Até Outubro livre estarei de ti,
Terei conhecido a verdade
Como assim te conheci.
Até Outubro serei Círio sem ti,
Haverei me recomposto sem saudade,
Pois em Nazaré
Mulher foi Maria
E também sofreu por Amor
É certo que dela a dor
Fora mais nobre do que a minha
Mas eu de Deus não sou Mãe
Nem mulher sou, só Menina,
No desejo de ter meu José
Na vontade de conceber
E dar à luz um filho
Que chamar-se-ia:
Deus comigo!

Jesus disse: "Conhecereis a verdade e a verdade vos libertará". Este poema faz alusão ao Círio de Nazaré, a maior festa religiosa do Brasil, que acontece em Belém do Pará, no segundo domingo de outubro. É o natal dos paraenses e, em Belém, as pessoas têm o hábito de fazer promessas à Maria, mãe de Jesus (cujo nome significa "Deus conosco"), em troca de milagres. Também se determinam a cumprir determinados objetivos até o Círio, que é como se fosse um rito de passagem para uma vida que se renova a cada ano. Com essas informações, fica mais fácil entender o sentido do poema. A ilustração é da berlinda de N. Sra. de Nazaré, centro das atenções durante as romarias que compõem a festa.

2007-08-31T20:35:00.000-03:00

RETRATOS DE UMA PADARIA
Celso Miranda de Carvalho

O café a postos na xícara de praxe.
A mortadela embulhava meu estômago.
Que rosto mais feio, meu Deus!
Não despertava o menor apetite.
Além do pão que, desenxabido, me olhava,

O único deleite que tinha era zombar o Nonato.
A matéria no jornal mostrava mais uma vitória do Flamengo.
Era questão de honra ver meu time em ascensão.

Dona Glória e seu Percival queriam apenas um sorriso meu.
Não qualquer aceno, mas uma lisura por entre meus lábios.
Casal da Siscília que adotou a Tijuca como vivenda.

Moscas circundaram os mesmos salgados.
Pessoas sem pudor adentraram o recinto.
Uma mesmice sem igual.

Para ironizar o ensejo, visualizo a simpática jornalista.
Formada desde dezembro passado.
Era munida de inteligência pitoresca.

Proseamos por horas a fio.
(..)
Nada de documentários ou reportagens.
Alusões poéticas apenas.
Todas repreendidas em meio a sua inabalável discrição.

Eu disse à sagaz moçoila:
- Por que tanto desapreço por meus manuscritos, Gerusa?
A moça sorriu e disse:
- Não é isso, senhor. Apenas não ocupam minha cabeceira.
E, arregalando os olhos e as expressivas sobrancelhas, completou:
- Não gosto de estórias sem continuidade. E todas elas têm fim.
Inconformado com tudo, retruquei:
- Gerusa, meus rabiscos remetem ao amor, e este não finda com a vida, tampouco com a morte.
Notando o constrangimento dela, concluí:
- O amor que tanto declamo não tem preceitos. Apenas anseios perpétuos.
Aparentamente transtornada e em tom de melancolia, finalizou:
- Senhor, preciso ir. Não posso me alongar com essa infame divergência.
Terminei falando:
- Eu me desculpo por te calar.
- Isto é cá um segredo ..
- Volte aqui, senhorita Gerusa!
(..)
A moça foi embora com seus doze pães sovados debaixo do braço.

2007-08-29T12:41:00.000-03:00

O IMPERATIVO DO SIM
Helder Bentes

Eu vi o amor sem te haver conhecido.
Tinha ele o retrato de um sorriso,
Uma ilusão de óptica, um signo de paixão
Tão intenso que me fez perder o siso.
Eu vi o amor de frente a esperar meu melhor
Sem graça e desabituada,
Cheguei desabotoada
E acolheste também o pior.
Adorei-te como quem no Belo se extasia
E meu peito explodiu disposto
A todos os anseios teus
Futuros, adiados, desistidos e latentes,
Dando corpo à insensatez,
Rompendo-me barreiras dos nãos que eu erguera,
Desfincando-me trincheiras com mãos de quimera,
Fazendo do sim um império ativo
E vitorioso sobre o que há...
Realidade, quem dera!

Poema inspirado em conjunção de emoções límpidas e radiosas como o sol do meio-dia que me aquecera o Dia inteiro.

2007-08-21T00:11:00.000-03:00

DIÁSPORA
Celso Miranda de Carvalho

qual tua faceta mais regozijante?
tua mesquinhez impediu que eu te engolisse,
mastigasse pelos flancos.
ou foi o tempo que urgiu.
as veredas da minha sombra ainda te perturbam.
foi uma fútil euforia que transbordou pela culatra.

eu blasfemei o quanto pude.
tua essência cafona atiçou intrigantes sacrilégios.
efemérida pudicícia ante minhas abastadas heresias.
lampejos tênues que pairavam desconforto.

era um lirismo munido de acústico rancor.
cheguei a rabiscar calhamaços a fio,
mas o derradeiro apetite pousou numa pacata várzea.

por que tua primazia hesitou em habitar o antro que te puniu?
tu não te lembras da saliva que te nutriu?
esqueceste do aroma que te trescalei?

padeceste horrores ao acender tua perspicácia,
mas a tua sedução te reduziu a migalhas.

tu fugiste de ti mesma num excelso revés.
confiou piamente em rebuliços infames,
além de macular tuas mãos com pedras maledicentes.

e quanto ao meu rumo?
é isto que tu queres saber?
me abriguei no haras que finda o que acalento.
lá não há resquícios de portas,
vide que as frestas arquejantes do meu peito já te bastam.

2007-08-17T20:21:00.000-03:00

ROSAS POR ROSAS
Celso Miranda de Carvalho

já quis ser aferrado às tradições
nas feições persuasivas.
rosas petrificadas no peito
em forma de brasão.
destemperado raciocínio.

alvos e rubros em duelos
dinásticos,
pleonásticos.
desencontros acordados.

fogo ateado em
corações abstraídos.
reconciliação efusiva com
expedições pacíficas.

pariu balas sórdidas
com humor de quimera.
reitera.
sensações inertes,
contudo ardentes.

desdenhei do emblema
pálido do branco estampado
à vermelhidão contangiante
do êmulo.

quando concebi mastigar,
provei um gosto insosso.
paladar rebuscado refutou
lábios mornos.

2007-08-17T20:06:00.000-03:00

LILÁS E(N)CANTO
Celso Miranda de Carvalho
Foto: Rui Portugual

desgosto torridamente efêmero.
questão de ensejo incandescente.
sensações bucólicas.
inoportunas.

mero egoncentrismo em
meio a um gole.
um tinto rascante de Estoril.
misérias de sorvos.

dissabor calado que
exauriu minh'alma.
agonizou a tez que acalentava
tuas mãos.
rotina desleal.

foi um ócio irrelevante,
benévolo.
conspirações brejeiras.
constrangimento inócuo.
melancolia da pupila.
poesia.

teu gosto agonizou a
taça preterida.
encaixe imensurável.celeumas perpétuas

2007-08-17T13:06:00.000-03:00

PAÇO DA VADIAGEM
Celso Miranda de Carvalho

eram apenas estórias
narradas por ti.
possuíam cunho
ardiloso.

mantive-me inexoravelmente
reticente.
cessei de te degustar.

foram consoantes que
derrocaram no estaleiro.
insanidades conspiradas,
viciadas.

concebi te salvar
de mim.
arrostei resistências.
engenhosa antítese.

era tédio que teu
tempero exalava.
orgasmo debruçado
no bege divã.
deleite do tédio.

os morangos estavam
bêbados.
esquivaram-se sem licença.
com licença.
minha língua amargava.

o lençol que me enrolava,
despia tua cútis.
cândida ojeriza sem pudor.
lamentações.

pálpebras impetuosas
incitaram preclaros cílios.
danada presunção.

(..)

desapercebido,
decretei moratória.

2007-08-03T12:16:00.000-03:00

LITERATURA E ORGASMO

Helder Bentes

Se você odeia Literatura, se não agüenta mais os "–ismos" literários que a escola ensina, cuidado! Você pode estar sendo intelectualmente castrado. Uma boa aula de Literatura deve ir além de listas para decoreba de estilos, autores, obras, fatos, datas e "resumos".
Se você sempre se perguntou: "Mas para que diabos eu tenho de aprender isto?", aqui vai a resposta. Vamos pensar juntos?
Você se serve da linguagem para se comunicar quando fala, escreve ou vê imagens. Já ouviu a frase: "A linguagem é nosso cartão de visita"? Pois é. Essa frase diz tudo, porque é a linguagem quem nos revela o pensamento.
A inteligência é virtual, quer dizer, pode tornar-se real à medida de nossa convivência, de nossas conversas e leituras. Em tudo isso está a linguagem como ferramenta que dá prazer, o prazer do senso crítico e do conhecimento para exercê-lo sabiamente.
Como diria minha ex-professora de filosofia, a linguagem pode nos levar ao "orgasmo" intelectual, comparando o prazer da leitura ao máximo de prazer a que se pode chegar numa relação sexual. Mas a relação com o conhecimento, através da linguagem, supera uma relação sexual. Quer ver? Vamos lá!
Tomemos uma letra de música popular, da canção "Amor, I love you" de Marisa Monte e Carlinhos Brown:

Deixa eu dizer que te amo
Deixa eu pensar em (gostar de) você
Isso me acalma, me acolhe a alma,
Isso me ajuda a viver.
Hoje contei pras paredes
Coisas do meu coração.
Passeei no tempo,
Caminhei nas horas
Mais do que passo.
A paixão é um espelho sem razão.
Quer amor, fique aqui...
Meu peito agora dispara,
Vivo em constante alegria,
É o amor quem está aqui.
Amor, I love you

“Tinha suspirado, tinha beijado o papel devotamente. Era a primeira vez que lhe escreviam aquelas sentimentalidades. E seu orgulho dilatava-se ao calor amoroso que saía delas, como um corpo ressequido que se estira num banho tépido. Sentia um acréscimo de estima por si mesma. E parecia-lhe que entrava, enfim, numa existência superiormente interessante, onde cada hora tinha o seu encanto diferente, cada passo conduzia a um êxtase, e a alma se cobria de um luxo radioso de sensações...”

Esta canção traz um fragmento de um romance de Eça de Queiroz.
Na época em que o álbum “Memórias, crônicas e declarações de amor” foi lançado (2000), houve muitos comentários, inclusive entre críticos de música, de que a reprodução deste trecho de literatura erudita nada tinha a ver com a letra da música demasiadamente simples e popular.
Se você entende literatura, sabe quem foi Eça de Queiroz e qual o significado deste trecho no contexto do romance, não será difícil entender o que fizeram os autores desta canção.
A letra é a reprodução, em linguagem popular, de um pedido de alguém para amar e expressar seu amor, uma necessidade que sempre motivou a criação literária ao longo dos anos.
O nível de literariedade da letra aumenta ao propor reflexões, numa linguagem já não tão popular, mas figurada, sobre a solidão de amar (“Hoje contei pras paredes”), sobre a paixão amorosa que nos tira do tempo e do espaço (“Passeei no tempo, caminhei nas horas, mais do que passo”) e sobre o amor que nos faz perder a razão (“a paixão é um espelho sem razão”).
O refrão destaca, por trás da aparente banalidade da frase inglesa (“i love you”) em seguida à invocação mais comum entre amantes (“Amor”), a necessidade de se expressar tal sentimento, mediante as limitações de um único idioma.
O Inglês é uma língua universal, em função do imperialismo norte-americano. Isso faz com que a frase “Amor, I love you”, no contexto desta música, não seja tão banal como alguns críticos disseram.
Além disso, a declamação, na voz de Arnaldo Antunes, durante a execução da música, sugere uma descrição em terceira pessoa (ela) que se equilibra com o discurso em primeira pessoa (eu), na composição.
Os autores desta canção, ao relacionarem seu texto ao do romance de Eça, propõem outra interpretação para a descrição das reações de uma pessoa, ao receber uma carta de amor. No contexto da literatura predominante no século XIX (1850 em diante), tal descrição tinha um sentido pejorativo, já que, naquele período, a moda era opor-se ao amor romântico.
A grande sacada de Marisa e Carlinhos está no fato de que, apesar da oposição histórica ao romantismo, as pessoas continuam amando e tendo reações de suspiros e sentimentalidades, que nos orgulham, aumentam nossa auto-estima, e tornam a vida bem mais interessante. O contraste entre a linguagem da canção e do trecho de Eça revela que, tanto no passado quanto no presente, o amor é o mesmo e as sensações que ele provoca também.
Mas, voltando ao começo, você entendeu por que devemos aprender Literatura na escola?
A Literatura, por se basear na linguagem escrita ou oral (porque também existe Literatura oral), é um tipo de texto que nos faz enxergar além do que a visão alcança. O texto literário nos faz refletir porque provoca nossa imaginação, nos coloca em contato com outro nível de linguagem, diferente daquele que usamos no dia-a-dia, eleva nosso pensamento a informações que vão desde a verdade mais simples até o pensamento mais complexo.
Segundo a Dra. Socorro Simões, Professora da UFPA, "Quem for capaz de dominar o sentido de um texto literário, em abrangência aceitável, estará apto a apreender o conteúdo de qualquer texto, em qualquer área do conhecimento humano, com razoável facilidade". Concordo plenamente com ela.
Se você tem dificuldade para ler ou para entender o que as pessoas escrevem ou falam; se "suas" preferências estão limitadas ao que é o gosto da maioria, ao que está na moda, na crista da onda, fique atento !!! Você pode estar necessitando iniciar-se em Literatura para atingir seu orgasmo intelectual.

2007-08-01T18:11:00.000-03:00

O GUARANI DE ALENCAR NA ÓPERA DE CARLOS GOMES
Helder Bentes
Aproveitando o gancho da estréia de O GUARANI em forma de ópera aqui em Belém, quero hoje comentar esta obra literária de nosso José de Alencar, escritor brasileiro do século XIX que deixou uma herança cultural muito rica.
Mas O GUARANI não é de Carlos Gomes, o operista brasileiro natural de Campinas que morreu em Belém?
É dele mesmo. Mas a ópera O GUARANI, de Carlos Gomes, foi inspirada no romance homônimo de Alencar, publicado primariamente em folhetins de 1857, depois republicado por inúmeras editoras e que hoje se encontra no domínio público e pode ser baixado neste link BIBLIOTECA DOMÍNIO PÚBLICO

Dizem que O GUARANI foi a obra que fez Alencar atingir a fama. Na verdade, a classificação de Alencar como cânone das letras brasileiras deve-se ao conjunto de sua obra e não unicamente ao GUARANI.
Por causa dos romances de lendas indígenas, José de Alencar foi agregado pela crítica ao movimento do Indianismo, cuja fórmula nacionalista consistia em incorporar a tradição indígena à ficção. Mas apreciar a literatura alencarina unicamente sob este prisma é ignorar a vasta gama de outros tipos de romance, obras teatrais, poesias, crônicas, ensaios e polêmicas literárias, políticas e estudos filológicos desenvolvidos ao longo da carreira literária de Alencar. O romance O GUARANI tem 54 capítulos divididos em 4 partes. Tem como personagens principais D. Antônio de Mariz, sua mulher D. Lauriana, seus filhos D. Diogo e D. Cecília (Ceci) e sua sobrinha D. Isabel (que na verdade é sua filha), Loredano, Aires Gomes, Alvaro de Sá e o índio Peri. No Rio de Janeiro de 1560, as tribos dos Aimorés e dos Guaranis estão em conflito.
Ceci é filha do fidalgo português D. Antônio de Mariz que lidera os caçadores de uma colônia portuguesa. O pai de Ceci promete-a em casamento a D. Álvaro, mas Ceci apaixona-se pelo índio Peri, líder da tribo Guarani. Peri, já apaixonado por Ceci, decide ajudar os caçadores contra os Aimorés.
Um hóspede de D. Antônio (Gonzáles) arma uma traição contra seus companheiros pretendendo seqüestrar Ceci, mas Peri descobre tudo a tempo de impedir que isto aconteça.
Ceci, então, vira prisioneira dos Aimorés e torna-se objeto da paixão amorosa do cacique desta tribo. Peri também é aprisionado e o cacique pretende sacrificá-los por saber do amor de um pelo outro. Mas o velho D. Antônio chega a tempo de salvar Peri e Ceci do sacrifício. Por causa de outra investida traiçoeira de Gonzáles, D. Antônio e Ceci são encarcerados em seu próprio castelo. Peri – ao saber que D. Antônio, numa atitude de desespero, pretende matar a própria filha e depois suicidar-se – vai até o castelo e implora por Ceci. D. Antônio, ao perceber que não havia mais condições de resistir e sensibilizado pela atitude corajosa de Peri, o incumbe de salvar Ceci, após tê-lo batizado como cristão.
Peri e Ceci fogem e vêem de longe a explosão do castelo. Com a morte do pai, que resolveu sacrificar a vida para salvar a da filha, a única pessoa que resta a Ceci é Peri. E a obra articula-se a partir desta devoção de Peri.
Durante dias Peri e Ceci ficam vagando sem destino como caminheiros errantes até serem surprendidos por um dilúvio. Abrigados no topo de uma palmeira, Ceci desespera-se achando que vão morrer, mas Peri conta-lhe a lenda indígena de Tamandaré.
Segunda a lenda, Tamandaré e sua esposa salvam-se de um dilúvio, abrigando-se na copa de uma palmeira e alimentando-se de seus frutos. Ao término da enchente, Tamandaré e sua esposa descem e povoam a Terra. As águas sobem, Ceci se despera mais ainda. Mas se você quiser saber se a lenda de Tamandaré se repete na vida dos dois, vá ao Teatro da Paz hoje à noite.

Texto publicado originalmente no PORTAL ORM

2007-07-30T23:24:00.000-03:00

EROS E PSIQUÉ - SOBRE A INDIVIDUAÇÃO DA MULHER
Por Helder Bentes

Para entender melhor a leitura deste artigo, você precisa primeiro conhecer o conto "Eros e Psiqué", pois aqui se propõe um rastreamento simbólico da formação individual da mulher, a partir deste conto, que usa atributos de deuses mitológicos, para criar uma história arquetípica. Recompondo-a, compreendemos o eu feminino individual e socialmente.
Há um conflito no processo de individuação do feminino. Este conflito parte das expectativas da sociedade sobre a mulher, dos papéis que lhe são reservados, e de seus anseios individuais.
Ao lermos o mito de Eros e Psiqué, podemos interpretar instâncias relacionadas ao universo social feminino, tais como o casamento e os papéis de filha e de mãe.
O casamento é um rito que marca a transição entre papéis tipicamente femininos: os de filha, de esposa e de mãe. Toda mulher, ao vivenciar o amor com um homem, rompe o cordão umbilical que a liga à sua mãe. Esse rompimento compara-se à morte simbólica da filha e à passagem para as condições de esposa e de mãe, para as quais a menina deve tornar-se mulher.
A evolução narrativa do mito de Psiqué corresponde ao processo de individuação da mulher, que parte da condição de filha para a disputa com Afrodite (mãe de Eros), motivada pela vaidade ou busca de um ideal de beleza, como condição para encontrar seu próprio caminho. Para perceber isto, basta ao leitor fazer correlações entre a simbologia do conto e os processos psíquicos de formação do eu.
Psiqué: personagem feminina cuja beleza provoca os ciúmes de Afrodite. Representa a mulher que, motivada pela competição feminina em benefício da vaidade, parte em busca de seu próprio eu.
Vozes: servem Psiqué no Palácio de Eros, depois deste haver se apaixonado por ela, ao tentar atingi-la com uma flecha, para cumprir as determinações de Afrodite e fazer Psiqué apaixonar-se por um monstro. Como o feitiço volta-se contra o feiticeiro, Eros apaixona-se por Psiqué e arrebata-a ao seu Palácio, onde vozes a atendem em todos os seus desejos. Essas vozes representam à fase ideal do enamoramento por que passam as relações amorosas.
A chegada de Psiqué ao Palácio de Eros: representa a descida ao inconsciente. A auto-análise requer uma fase em que há vozes a serviço do eu, em que a felicidade parece haver sido encontrada definitivamente. Isto corresponderia à fase imediata ao já referido rompimento do cordão umbilical, em que a menina torna-se mulher pela experiência de enamoramento, pela sensação de casamento, sem estar necessária e legitimamente casada, mas apta a assumir os papéis de esposa e mãe.
As duas irmãs invejosas: exercem os papéis de filha e mãe dentro de seus casamentos, em relação a seus maridos, pois um é velho e feio (filha), e o outro é doente (mãe). Somente Psiqué parece não haver estagnado no papel de filha ou pulado para o de mãe, mas vive uma fase ideal importantíssima no processo de individuação da mulher, em que o ideal de felicidade se lhe afigura na presença amorosa de um homem provedor/protetor, para o qual a mulher parece predestinada.
O punhal e a lamparina: Psiqué, induzida pelas irmãs, aproxima-se de Eros com um punhal e uma lamparina, enquanto ele dorme, a fim de desvendar seu mistério e assassiná-lo. Porém, descobre nele um homem lindo e, ferida por uma flecha de sua aljava, apaixona-se por ele também. Mas deixa cair óleo quente da lamparina sobre seu ombro e o desperta. Ele foge, deixando-a sozinha. O punhal é o elemento que corta e separa, representa o corte racional necessário para a individuação da mulher, o distanciamento emocional necessário à compreensão de sua própria condição feminina, independente da figura masculina ou de qualquer outra. A lamparina é a luz da consciência, não dissociada do punhal.
A saída do Palácio: representa a busca independente da mulher por seu próprio eu, através do amor personificado em Eros.
A partir deste momento, na narrativa, a mulher enfrentará obstáculos, mas contará com o auxílio de outras entidades em benefício da auto-superação. Essas entidades são representações de virtudes essenciais no processo de individuação, tais como, o deus Pan (representa o instinto), Hera, Deméter e Afrodite (representam à rivalidade, a indiferença e a própria violência intrínseca ao processo de individuação, pois essas entidades negam ajuda a Psiqué, aumentando-lhe a dor e o sofrimento necessários à maturação individual).
Afrodite lhe impõe quatro tarefas impossíveis que representam situações de auto-superação:

1. Separar uma montanha de sementes por espécie, durante o período de uma noite: tarefa onde Psiqué conta com a ajuda das formigas. A montanha de sementes por espécie simboliza os complexos inconscientes que, individualmente, constituem elaboração e crescimento virtuais. As formigas representam à paciência, a diligência e a sabedoria instintiva para distinguir os complexos amontoados.

2. Trazer flocos da lã de ouro de carneiros ferozes: representam à impulsividade agressiva, irreflexiva e negativa. Esta tarefa leva Psiqué a pensar em suicídio pela segunda vez, mas ela conta com a ajuda de um caniço, que representa a salvação e a sabedoria, a necessidade de esperar para agir, de meditar primeiro para não agir precipitadamente.

3. Apanhar água da fonte dos rios Cócito e Estige, com um vaso de cristal dado por Afrodite: esses rios referidos são infernais e guardados por dois dragões, mas Psiqué conta com a ajuda do próprio Zeus que se transforma numa águia e cumpre a tarefa por ela. A água representa a vida no seu fluir até a morte que, por não poder ser retida ou controlada pela humanidade, deve ser manipulada apenas pela divindade, donde a intervenção de Zeus na narrativa.

4. Buscar a caixa da beleza imortal para entregá-la a Afrodite: essa caixa estava com a rainha Perséfone, no reino dos mortos (Hades). Mas desta vez Psiqué conta com a ajuda da própria torre na qual sobe para suicidar-se diante da dificuldade da tarefa. A torre simboliza uma construção humana como sua própria consciência, a introversão e o isolamento necessários à amplitude da mesma consciência.

Essas quatro tarefas têm em comum o grau de dificuldade desanimador que culmina com o desespero da personagem, sendo, no entanto, compensado pelo auxílio das formigas, do caniço, de Zeus e da torre que representam instâncias reguladoras do processo de maturação feminina.

As tentações de Psiqué:

A torre a aconselha a munir-se de duas moedas para pagar a passagem de ida e volta do Hades a Caronte, e de bolos de cevada e mel para dar a Cérbero, mas a alerta para tentações que têm em comum a motivação do lado bom de Psiqué. O processo de maturação do eu feminino requer, às vezes, uma renúncia à bondade, uma indiferença às necessidades alheias e periféricas diante da necessidade individual da mulher, por isso a torre pede a Psiqué que tenha forças para resistir à tentação de ser piedosa. Essas tentações estão representadas no conto por:

Um homem e um asno coxos: Este homem chama-se Ocnus e deixa cair a corda com que puxava o asno. Ele seria a representação da hesitação à medida que, naquelas circunstâncias, não se poderia sair do lugar (a busca da perfeição feminina não pode desobstinar-se diante da imperfeição humana ou animal).

Um velho que lhe pediria carona no barco de Caronte: esse velho representa neuroses, que às vezes dominam a consciência. Há pessoas que surgem no caminho da individuação feminina e cuja aparência madura pode indicar benefícios a este processo pessoal, mas deve haver resistência por parte da mulher, pois se tal processo é individual, a ajuda mútua recorrente pode não ser útil. Digo recorrente porque, em outros momentos do conto, Psiqué já fora ajudada por entidades mais experientes, estando inclusive gozando desta ajuda para discernir a tentação do velho. Quando você ajuda alguém, você tende a identificar-se com este alguém e Psiqué não poderia identificar-se com a maturidade do velho, como não o pôde com as limitações físicas do homem e do asno, e como não o poderá com o enredamento dispersivo das tecedeiras.

Um grupo de tecedeiras: essas tecedeiras seriam em número de três e estariam associadas às três moiras (Cloto, Láquesis e Átropo), as divindades do destino na Grécia. A lição aqui seria não dar atenção ao destino, não tentar entendê-lo e nem manipulá-lo, mas deixar que as coisas aconteçam. As tecedeiras poderiam representar, entre os fios de tecidos de seu trabalho, caminhos que poderiam dispersar Psiqué de sua tarefa principal àquele momento.

O convite de Perséfone para jantar: nada, por mais prazenteiro que seja, deve atrapalhar o alcance de sua meta. Estabelecer relações com as pessoas no seu caminho pode desviá-la de sua meta.

Finalmente, todas essas categorias de tentação são vencidas, cada uma com seu próprio ensinamento. Apesar de serem uma luta contra a própria natureza. Há, porém, uma tentação relativa à curiosidade feminina, que leva Psiqué a abrir a caixa da beleza e cair em sono mortal.
Isto lhe vulnerabiliza e a condiciona à intervenção masculina e divina personificadas respectivamente em Eros, que a ajuda e a desperta para a vida, e Zeus, que a imortaliza no Olimpo, dando origem à outra entidade feminina que recebe o nome de Volúpia.
Psiqué, ao desincumbir-se das tarefas e manter sua beleza, desperta medo em Eros por parecer com Afrodite. Mas, ao vulnerabilizar-se, reacende os cuidados de Eros.
Ser mulher é isto: um entre-lugar onde força, vaidade, autoridade e fragilidade se misturam para provocar o imaginário masculino.

Indicação de leitura:
BOECHAT, Paula Pantoja. Eros e Psiqué – sob o ponto de vista da individuação da mulher (p.97-112) In: BOECHAT, Walter (Org.). Mitos e arquétipos do homem contemporâneo. Petrópolis, Vozes, 1995, 198 págs.
Um estudo da mitologia à luz da psicologia junguiana. Os símbolos mitológicos ou literários tratados neste livro representam arquétipos de nossa formação individual. O símbolo pode iluminar o desenvolvimento psicológico do indivíduo e os problemas sociais da cultura atual.

2007-07-30T22:53:00.000-03:00

OS ÍCONES SUÁSTICO-CATÓLICO-PAGÃOS
Por Helder Bentes
O assassinato do padre alemão, no dia 10/04/2007, aqui em Belém, chocou-me. Ao lamentar a tragédia, pensei na Igreja – que foi minha estrada de Damasco dos 14 aos 25 anos – e experimentei um desespero relativo às mudanças mais do que necessárias no pensar do século XXI.
Proponho a leitura de "ícones", da paraense Maria Lídia, como se música e poesia ainda não fossem autônomas, para que vocês entendam a poesia dela e o meu desespero:

A serpente, a maçã,
Seculares símbolos da mácula da sanha de satã,
Com o afã de atenuar a fraqueza humana...

Antes da cruz de Jesus,
Houve Ave romana que domani americana águia seria
A guia do poder a prevalecer
Sobre egípcios, hebreus, gregos, macedônios,
Ontem e hoje descendentes babilônios,
Bisonhos serviçais, como certos animais.
Depois da cruz de Jesus,
Cada ação insana cometida pela gana adormecida no homem,

Ser bruto, aquém do de neanderthal,
Teve um ícone, um sinal,

Tipo aquela herética suástica, patética, holocáustica,
Estranha aranha vil, que a tantos sucumbiu.
A serpente, a maçã e satã,
Em súmula oráculo do homem, criador e criatura pagã,
Cuja filosofia vã
É manter a alma pura e sã
Atribuindo culpas a satã, à serpente e à maçã.

A meus colegas da academia aviso que não cabem aqui as teorias de Barthes, Hegel, Peirce, Jung, Wallon ou Saussure sobre signo, sinal, índice, ícone, símbolo, alegoria... Razão pela qual são tratados aqui como categorias indistintas.
Maria Lídia refere-se à cruz como o marco entre antigos e novos símbolos que, segundo Jung, há "como representação de conceitos" porque há "coisas fora do nosso alcance". Uma destas é o homem como "ser brutal, aquém do de neanderthal" (abaixo do homem primitivo).
A "ação insana cometida pela gana adormecida" é representada sempre por "um ícone, um sinal", mas quais seriam os ícones ou sinais de hoje? Homicídios, preconceitos, discriminações, injustiças, pactos de mediocridade e de poder, misérias, guerras e todas as mazelas do mundo... O que representariam?
Se nós somos sujeitos da história, por que "a serpente, a maçã e satã" continuam em pleno século XXI como "costas largas" dessa mesma história, que só "o homem, criador e criatura pagã" faz?
A serpente e a maçã são símbolos da ira de satã e eufemismos da fraqueza humana.
Quais seriam os atenuantes das fraquezas institucionais?
Discursos fervorosos e devotados?
Relativização das circunstâncias?
Esquivar-se diante do ocorrido ainda não esclarecido?
Nada é o que parece?
Não devemos julgar para não sermos julgados?
Um erro na vida não é uma vida de erros?
Somos santos e pecadores?
Queridos leitores, esses "atenuantes da fraqueza humana" também servem a gays, lésbicas, prostitutos, divorciados, casais não casados, mulheres que abortaram e ateus que querem crer, apesar das excludentes sentenças de condenação da Igreja, que vive de denunciar as mazelas do mundo, como se fosse apenas "santa" e nunca pecadora. A fraqueza humana, porém, não foi atenuada no sermão do Pe. Fabrízio Meroni contra homossexualidade e aborto, na Procissão do Encontro, quatro dias antes do assassinato do padre.
Quais seriam os atenuantes das fraquezas nas instituições? Cala-te, boca, que – mesmo criadas por homens – instituições não têm fraquezas. Certo estava o poeta – que não era profeta – ao dizer que "a América sempre precisará de ridículos tiranos".
Aliás, o que teria despertado a "ação insana cometida pela gana adormecida" no assassino do padre? È assunto que cabe à polícia, mas seja lá o que for, se um cidadão comum – e não um PADRE de uma IGREJA tão implacável como tem sido a Católica em relação a divórcio, aborto, homossexualidade, combate à Aids e tantas outras questões polêmicas de nosso tempo – fosse assassinado em circunstâncias pra lá de suspeitas, o que diria você, caro leitor?
Até concordo que a Igreja seja contrária ao que supostamente ameaçaria a ordem constituída, por contrariar seus princípios éticos e religiosos ou ameaçar seu poder institucional, mas deve-se tomar cuidado ao mexer em questões íntimas como sexualidade humana, vida afetiva e relação com a Divindade. Se somente Deus pode mudar o homem, por que não confiar mais na ação divina e limitar-se a promover este encontro do homem com Deus?

A suástica é o símbolo da pretensa superioridade da raça ariana – defendida por Adolf Hitler (1889-1945) – e que, na letra de "ícones", aparece como heresia patética do holocausto que (era?) cometido contra as minorias. Parece que a "estranha aranha vil" espalhou-se pelo mundo e continua a sucumbir... O que leva um homem a abandonar sua Pátria para morrer – assassinado por um garoto de programa – longe dos seus? Vocação católica ou fuga da coerção nazista herdada dos antepassados?
Ninguém pode apedrejar ninguém, pois "telhados de vidro" e condição humana são contíguos. A Igreja interfere na privacidade das pessoas, impondo condições para que sejam acolhidas, sem considerar que tais atitudes sustentam preconceitos que – a julgar pelo Evangelho – nem o próprio Cristo teria.
Antes e depois do Cristo, que veio ao mundo para pregar o amor contra o poder e revelar que este amor pode e deve ser levado às últimas conseqüências, sempre tivemos símbolos a ser interpretados. O problema é que não nos ensinaram a fazer isto a parece que continuam querendo que – quer de Roma, quer da América do Norte ou de Belém mesmo – sejamos "bisonhos serviçais". Vai de você deixar que lhe tratem "como certos animais". Você é Ave, Águia e não "a guia"!
Que Deus tenha o coitado do padre, que – por ironia do destino – ainda era conterrâneo do papa e dos nazistas...

2007-07-30T22:26:00.000-03:00

NU NERY: O PODER QUE ISMAEL PEDIU A DEUS
Helder Bentes

A peça inspirada na vida do poeta paraense Ismael Nery foi sucesso de público e de crítica em Abril de 2006, por ocasião de sua estréia. Depois contou com uma segunda temporada de mais cinco dias no Teatro Waldemar Henrique, em Belém, e seguiu para o Festival Brasileiro de Teatro em Itajaí (Santa Catarina). O espetáculo representou a Região Norte no evento. Em junho deste ano, NU NERY seguiu em turnê por São Luis, Natal, Recife e Salvador, dentro do projeto Caravana Funarte Petrobras de Circulação Nacional. Agora Nu Nery ganha mais uma importante repercussão nacional. Escrita por Carlos Correia Santos e montada pelo Grupo de Teatro Palha, a peça baseada na vida e obra do pintor e poeta paraense Ismael Nery acaba de vencer um dos mais disputados editais artísticos do país, o Caixa Cultural, coordenado pela Caixa Econômica Federal. A vitória permitirá que a montagem seja apresentada em Brasília, no final do ano. Na lista dos contemplados com o Caixa Cultural na categoria teatro, Nu Nery divide cena com grandes companhias e entidades brasileiras, como o Grupo Teatral Lauro Góes, a Patrícia Travassos Produções, a Tapa Produções Artísticas, Renato Borghi Produções Artísticas, CAL e a Cooperativa Paulista de Teatro.
Leia abaixo as impressões críticas de Helder Bentes sobre a peça e saiba por que o eminente crítico de arte a recomenda:

O hibridismo de linguagens é apontado pelos entusiastas da tecnologia digital como uma das marcas deste momento da história da comunicação humana. Hoje há uma concomitância de linguagens facilitada por este tipo de tecnologia e isso acarreta também mudanças nas práticas de leitura, variáveis de acordo com o suporte dos textos e com o tipo de linguagem neles empregado. Hoje temos uma predominância da leitura fragmentada, conseqüência da amplitude e da rapidez com que se processam as informações em função dessa tecnologia.
Se antes a cultura brasileira era um universo não facilmente passível de delimitação por parte de nossos antropólogos, hoje esta dificuldade torna-se ainda maior por causa da cultura em bites e, ao lado disso, os efeitos purgativos de uma leitura contemplativa e a apreciação estética da linguagem artística vão se tornando cada vez mais agonizantes, situação agravada pela indústria cultural que “cria” a massa. Mas quem disse que o homem depende da tecnologia digital para criar linguagens? Quem for ao Teatro Waldemar Henrique assistir à peça NU NERY, escrita pelo poeta Carlos Correia Santos e dirigida por Paulo Santana, não sairá de lá achando que a linguagem híbrida, enquanto matéria-prima de arte, é mérito da cibercultura.
Estive com meus alunos universitários na galeria do Memorial dos Povos, no dia 06/04 do ano passado, data em que se relembrava a morte de Ismael Nery, assisti à peça e pude registrar em minhas retinas uma articulação de linguagens sem precedentes na história da dramaturgia paraense. O texto de NU NERY não é apenas um texto, é o texto cuja matéria-prima é a linguagem concebida amplamente, onde iluminação, figurino, cenário e o próprio espaço físico onde se aprecia o espetáculo são otimizados de modo a estabelecer com a linguagem performática uma coerência recorrente na articulação do texto, feito de recortes poéticos de Ismael e Adalgisa Nery, de Murilo Mendes e do próprio Carlos Correia Santos, uma composição harmônica matizada pelo Ismael Nery desenhista, pintor, poeta, filósofo e ser humano. Um hibridismo sui generis cujo propósito parece ser desenterrar a ousadia que marcara a trajetória de Nery e que fora ignorada por seus contemporâneos.
Não há como assistir a NU NERY e sair do teatro isento da obrigação de desnudá-lo, a peça proporciona essa abertura, uma lacuna que necessita de um preenchimento concretizador providencial, haja vista a Poesia apelativa de Ismael Nery, em que brada o poeta: ”Dai-me, como vós tendes, o poder de criar corpos para as minhas almas”. NU NERY é uma resposta a esse apelo, uma resposta que se reflete no triângulo, que eu não diria apenas amoroso, entre Ismael, Adalgisa e Murilo Mendes, uma pirâmide relacional em cujo topo está a inquietude de Nery, uma inquietude não muito diferente das inquietudes humanas e por isso mesmo divinizada.
Nós, seres humanos, somos predominantemente tiranizados pelas estruturas sociais que construímos de modo que é recorrente entre nós a crença de que, se fazemos algo bom, é porque nos motiva o espírito divino; se fazemos algo mau, nos motiva o espírito maligno. Por isso, Ismael Nery se confessa diferente de Deus e do diabo, é um ser humano implacável e crescente, multifacetado e imcabível numa porção limitada de matéria. Essa dimensão plural de Ismael Nery, que se situa aquém e além do sobrenatural, certamente foi captada por Carlos Correia num debruçar sobre a obra do poeta. Da mesma forma, a lógica supra-racional que rege as cenas evidencia essa pluralidade única do ser humano Ismael Nery e, assim, a criação, não a criatura, reflete o criador.
Se a Belém dos primórdios do século XX não soube prestigiar a criação artística de Ismael Nery, a Belém do começo do século XXI tem no trabalho de Carlos Correia Santos a oportunidade de contemplar, numa época de leitura movente, o signo contemplável de Ismael Nery.

2007-07-30T00:59:00.000-03:00

A FORÇA DA ASSOCIAÇÃO ENTRE LITERATURA E MITO: UMA LEITURA DO ADAMASTOR HISTÓRICO, MÍTICO E PROFÉTICO

Helder Bentes

O episódio do Gigante Adamastor é uma narrativa que reúne aspectos históricos, proféticos e mitológicos. Situado nas estrofes de 37 a 60 da epopéia "Os Lusíadas", esta narrativa poética traz os grandes feitos do "ilustre peito lusitano" e deixa transparecer toda a suposta motivação "passional" que colaborou para o pioneirismo português nas grandes navegações, no início da era moderna. O objetivo deste artigo é relacionar literatura e mito, ou seja, reconhecer no texto literário a presença do mito e testificar seu valor simbólico, sua pertinência para a configuração literária, que provoca tensão entre leitor e texto e, ao mesmo tempo, estabelece os limites entre verdade e ficção presentes no texto de Camões.

A narrativa começa com a descrição poética da atmosfera em que ocorre a aparição do gigante. A voz do narrador (em primeira pessoa) Vasco da Gama situa o fato narrado no tempo e no espaço, embora essas referências espaço-temporais estejam na periferia do texto, pois o que interessa é induzir a imaginação e a curiosidade do leitor através das imagens compostas pelos seguintes elementos: ventos, alto mar desconhecido, noite e nuvem que escurece os ares. Esta nuvem provoca medo à esquadra de Vasco da Gama. Trata-se de uma nuvem que personifica o medo potencializado pelo desconhecido e, na esteira das prosopopéias do texto, "o mar grita". Há um segredo implícito, uma ameaça sobrenatural que se lhes parece maior que uma tempestade. A estrofe 38, como várias outras estrofes dos lusíadas, reforça a idéia do quanto o povo português tem méritos diante do desbravamento do desconhecido, através das hipérboles que supõem o desconhecido e o medo que este provoca. É como se essas instâncias ("medo e desconhecido") facultassem um mito em torno da nação lusitana, como justificativa das origens de todos os progressos advindos de seu pioneirismo na expansão marítima. As estrofes 39 e 40 correspondem à descrição do gigante, figura cuja comparação à estátua de Apolo é bastante significativa. Se fizermos uma leitura pragmática deste episódio camoniano, considerando todas as intertextualidades suscitadas ao longo de seu conteúdo e todos os fatores reguladores de sua produção de sentidos, veremos que Camões retoma o mito de Apolo em Adamastor, inspira-se na mitologia grega para mitificar o Cabo das Tormentas e vários outros fatos que concorrem para a mitificação do povo português. Adamastor é descrito na estrofe 40 a partir de uma comparação com a estátua de Apolo, situada à ilha de Rodes, na Grécia, uma das sete maravilhas do mundo. A partir desta comparação desenvolve-se uma história cujo narrador é Vasco da Gama e que tem como protagonista o gigante, assumindo uma das várias divindades de Apolo na mitologia grega. Para percebermos isso, basta repassar sobre o discurso atribuído ao gigante, quando este se dirige à armada portuguesa. Na estrofe 41, Camões coloca na boca do gigante uma fala que exalta os portugueses como "gente ousada", mas que cometeram grandes coisas no mundo, pois nunca repousam por um trabalho vão ou por guerras cruas, o que equivale a dizer que tudo o que os portugueses fazem prospera, dá fruto, nada é em vão, pois os portugueses são ousados a ponto de quebrar os limites fechados, nunca antes navegados (arados) de estranho ou próprio lenho (embarcação). Uma clara exaltação ao pioneirismo português nas grandes navegações. Na estrofe 42, o gigante começa a exercer uma das divindades de Apolo, a de deus da profecia. Segundo a mitologia grega, Apolo é, dentre outras coisas, o deus da profecia, a quem inúmeros oráculos eram atribuídos. Para perceber os aspectos de natureza profética que são atribuídos a Adamastor, o leitor deve compreender o tempo da narrativa, que não é um tempo histórico, mas literário. Os acontecimentos históricos que Adamastor prevê e que aparecem na narrativa como futuros, na verdade, já aconteceram ao tempo da publicação desta epopéia (1572). Quanto ao tempo de sua produção por Camões, especula-se que tenha sido entre 1557 e 1570. O que mais interessa, porém, é a conversão literária da verdade histórica em profecia cujo ponto de partida é o mito do Adamastor, a personificação do Cabo das Tormentas. Esses aspectos proféticos fazem sentido, como eu disse, à medida que se faz uso das informações acerca da mitologia grega que explicam a comparação, na descrição que se faz do gigante, entre este e a estátua de Apolo. Outra faceta de Apolo é a sua parte mais violenta, quando ele usa o arco, para disparar dardos letais que matam os homens com doenças ou mortes súbitas. Ainda assumindo este lado mais negro, Apolo é o deus das pragas de ratos e dos lobos, que atormentavam muitas vezes os gregos. A epopéia camoniana legitima o mito grego de Apolo como deus da profecia e das pragas, para recriar um mito classicista, no sentido quinhentista do termo, haja vista as possibilidades espaço-temporais que relativizam o sentido do termo "renascimento" como fato histórico. Este mito classicista é a figura de Adamastor e, por extensão, a nação portuguesa, que também se mitifica no discurso profético-literário deste personagem. As estrofes seguintes (43 em diante) demonstram um Adamastor que roga pragas contra todos os navegantes cujo atrevimento assemelhe-se ao da nação lusitana e "profetiza" (basta atentar para os verbos no futuro do presente) o alto mar desconhecido como "paragem inimiga", "ventos e tormentas desmedidas", e, para arrematar a estrofe com chave de ouro, uma hipérbole cujo sentido já fora evocado anteriormente, quando da descrição do clima que prenuncia a aparição do gigante (estrofes 37 e 38): "Que seja maior o dano que o perigo". O gigante promete ser sujeito de um castigo que, embora improvisado, promete ser maior que o perigo que perpassa toda a atmosfera deste episódio. Uma antítese e uma hipérbole arrematam esta estrofe para testificar a genialidade literária de Camões. Esta mesma genialidade se reflete no último verso da estrofe 44: "Que o menor mal de todos seja a morte!". A morte é, sem dúvida, o que de pior pode ocorrer, dada sua irreversibilidade. Camões, no entanto, cria, com esta hipérbole, um personagem que, como Apolo, rege as instâncias transcendentais ao que é mistério para os homens. Neste sentido, Adamastor é também sobrenatural, uma entidade divina, dotada de força e poder até superiores aos de Apolo. Pois Apolo participa em diversos mitos, incluindo a famosa Guerra de Tróia, onde está do lado dos troianos, dizimando os aqueus com praga quando estes ofendem o seu sacerdote troiano, e acabando por matar Aquiles. Mas, no mito grego, a morte continua sendo o maior mal de todos. Na estrofe 44 começam as referências a personagens históricas, como Bartolomeu Dias, descobridor do Cabo das Tormentas (1488). A importância dessas referências históricas no corpo da obra é que a associação, entre os fatos históricos protagonizados por Bartolomeu Dias e aquilo que se diz dele nesta ficção literária, legitima o mito de Adamastor, seu discurso entre aqueles para os quais o mito é a única concepção possível e, dessa forma, a nação portuguesa também se mitifica como a única capaz deste enfrentamento, a quem as vinganças de Adamastor não amedrontam ou intimidam. É uma forma de legitimar o pioneirismo português e, ao mesmo tempo, desencorajar outras nações a empreender feitos semelhantes. O "primeiro ilustre" a que o gigante se refere (estrofe 45) é D.Francisco de Almeida, enviado de D. Manuel I à Índia, no cargo de vice-rei, foi o primeiro vice-rei da índia (1505-1509). Tomou Quíloa e incendiou Mombaça, na costa oriental da África e morreu numa escaramuça com indígenas perto do Cabo da Boa Esperança. Por isso, o gigante refere-se ao fato proclamando-se como "eterna e nova sepultura". Na estrofe 46, o casal a que o gigante se refere é Manuel de Sousa Sepúlveda e sua esposa D.Leonor. Em 1552, comandado por D. Manuel de Sousa Sepúlveda, parte de Cochim (Índia), rumo a Lisboa, o galeão São João, o qual vem a naufragar nas costas do Natal. De Sepúlveda, o comandante, apenas se conhece a tragédia que o vitimou, também à sua esposa e filhos e à maioria dos seus companheiros de viagem. Camões, neste Canto V de Os Lusíadas, põe o Adamastor a profetizar o acontecimento em três estrofes que contém reflexões a respeito da mistura étnica que se daria a partir das grandes navegações, sobretudo entre povos europeus e africanos, entre os europeus e os nativos das novas terras. Isso está implícito nas imagens da "formosa dama" (D.Leonor), cujos pés delicados pisam a areia ardente e cujos membros cristalinos e preclaros (ilustres) são despidos pelos Cafres, nome dado pelos islamitas aos gentios, idólatras e aos negros pagãos da África oriental; também às populações bantas de Moçambique, da África do Sul e dos demais países do sudeste da África, além de denominar o natural ou habitante da Cafraria, denominação que, no passado, se dava à região entre o rio Kei e os limites da província de Natal, na África do Sul, onde ocorreu o naufrágio. A profecia referente ao naufrágio da família Sepúlveda encerra com uma reflexão a respeito da morte (estrofe 48). Os dois últimos versos da estrofe 48 são os "pontos finais" do Eufemismo em três estrofes que atenua o sentido violento da narração profética da morte e do naufrágio em si. A morte aparece como libertação. O corpo seria uma prisão tão miserável (porque corruptível) quanto formosa, da qual nos libertaríamos através da morte. Devemos atentar, neste sentido, para o que nos diz Manuel Paulo Ramos, na introdução literária a uma das muitas edições de Os Lusíadas, acerca da medida em que Camões revela-se, em Os Lusíadas, um homem do seu século, um artista renascente: " ... o nosso Poeta não podia aceitar, incondicional e ilimitadamente, estas doutrinas (renascentistas)" – (RAMOS, Manuel Paulo de. Os Lusíadas de Luís de Camões. Portugal, Porto, 1980, p. 42) - haja vista o fato óbvio de que uma cultura não renasce, fora de seu tempo, em estado puro. Isto faz com que a intervenção do sobrenatural em Os Lusíadas contemple a fé cristã, donde a retomada da concepção filosófica clássica de que a morte é uma libertação e o corpo, uma prisão. O apóstolo Paulo, em sua epístola aos romanos, afirma: "Sinto, porém, nos meus membros, outra lei, que luta contra a lei do meu espírito e me prende à lei do pecado, que está nos meus membros. Homem infeliz que sou! Quem me livrará deste corpo que me acarreta a morte?" (Romanos 7,23-24). Essa intertextualidade comprova que a concepção classicista da morte como libertação tem muito a ver com o Cristianismo. Na estrofe 50 o gigante revela-se como a personificação do Cabo das Tormentas (cabo é uma ponta de terra que avança para o mar; promontório quer dizer que este cabo termina em monte ou rocha escarpada, íngreme, abrupta). Ptolomeu, Pompônio, Estrabo e Plínio representam geógrafos do mundo antigo que nunca se deram conta da existência deste cabo, de quem Bartolomeu Dias foi o descobridor, legitimando nisto também o pioneirismo português. A partir daqui o gigante assume a narrativa de sua própria história e se apresenta como um mito cuja origem explica-se por sua paixão amorosa, num belo exemplo de coexistência pragmática entre o lírico e o épico em Os Lusíadas. Adamastor era irmão de Encélado, Egeu e o Centimano (outros gigantes). Sua grandeza foi tamanha que se posicionou como adversário de Júpiter na guerra. Júpiter era, na mitologia clássica, o deus supremo do Olimpo cujo correspondente latino era Zeus, o que fazia vibrar os raios de Vulcano (Hefesto, deus do fogo). Ele se apresenta como capitão do mar que conquista as águas do oceano, entidade superior a Netuno (deus do mar) e superior a Júpiter e a Vulcano, assim como ao próprio Apolo, com cuja estátua é comparado, no início do episódio, como vimos.
A partir da estrofe 52 começa a narrativa lírica da paixão amorosa de Adamastor por Thétis, uma ninfa, deusa mitológica das águas (por isso ele se refere a ela como a "princesa das águas"), dos bosques e dos montes, uma das filhas de Nereu e de Dóris, que foi casada com Peleu. O gigante a vê nua na praia e se apaixona por ela a ponto de desprezar todas as deusas do Céu. Ele, porém, não se acha capaz de conquistá-la por ser muito feio e determina-se a tomá-la por esposa através de armas. Pede a ajuda de Dóris, que promete interceder em favor de seu amor por Thétis. Mas a concretização desta paixão amorosa acontece apenas na imaginação de Adamastor e sua frustração por isso faz com que sua carne se converta em terra dura, seus ossos em pedra, em águas seus membros e toda sua aparência e ele, então, se transforma no Cabo das Tormentas. A paixão amorosa de Adamastor por Thétis revela uma entidade mitológica humanizada - para não dizer "tiranizada" - pelo amor, com todas as características de uma alma romântica afeita à beleza, à aparência, à sensualidade, ao erotismo, à supremacia da vontade instintiva, ao desejo, às concepções ideológicas do amante e idealizadas do ser amado, à determinação irracional que assola os sujeitos do amor, à busca da intervenção de terceiros, à necessidade de se mover a vontade do outro em sua própria direção, à cegueira dos amantes, à esperança e à conseqüente frustração do duro confronto com a realidade, como nos diz o próprio Camões em um de seus sonetos líricos: "Não pode haver desgosto onde esperança falta". O episódio de Adamastor encerra com Vasco da Gama, narrador-personagem em primeira pessoa, erguendo as mãos ao "santo coro dos anjos" e recorrendo, desta forma, ao Deus judaico-cristão, como entidade superior aos deuses mencionados no episódio e ao próprio Adamastor que, durante a narrativa, se lhe apresenta tão superior, mas depois é humanizado pela paixão amorosa, metamorfoseado em cabo pela frustração, divinizado apenas para legitimar os grandes feitos do "ilustre peito lusitano", enfim, uma entidade mitológica no sentido de que explica a origem do Cabo das Tormentas, profética como o deus Apolo, mas cujas profecias de desgraça serão removidas, na fé portuguesa, pelo Deus judaico-cristão. Aí temos, mais uma vez, a presença do maravilhoso, no Classicismo renascentista, condicionada pelos valores judaico-cristãos posteriores à antiguidade clássica, como um exemplo de que nenhuma cultura renasce fora de seu tempo e de seu espaço originais. Adamastor em si não é histórico, mas à medida da personificação de um ente verossímil como o é o Cabo, de cuja origem Adamastor é a explicação mitológica, também podemos situá-lo como personagem histórica que interage na história com outras personagens da mesma natureza, tais como Vasco da Gama, Bartolomeu Dias, D.Francisco de Almeida e a família Sepúlveda. O mesmo vale para a apreciação do gigante como personagem mitológica que é comparado a (e interage com) outras entidades desta mesma natureza mítica, como Júpiter, Vulcano, Netuno, Dóris, Thétis, etc. Enfim, temos neste episódio de Os Lusíadas um personagem multifacetado cuja síntese nos revela, em pleno início da era moderna, a força semântica, ideológica e cultural da associação entre Literatura e Mito.

2007-07-30T00:28:00.000-03:00

JÚLIO IRÁ VOAR: ARTE QUE DESCONSTRÓI A HISTÓRIA

Helder Bentes

"Abençoados os loucos porque é a partir deles que voam

as idéias, os sonhos e a verdade".

Depois do sucesso de NU NERY, tudo indica que o paraense Carlos Correia Santos poderá ficar conhecido, na história da dramaturgia universal, como o dramaturgo cuja inspiração cerca os grandes vultos de nossa história que não tiveram o merecido reconhecimento em suas épocas. Sob a direção de Paulo Santana e através do grupo Palha, ele traz à cena mais uma obra marcante na dramaturgia universal. Falo da peça "Júlio irá voar", que estreou ontem, dia 17/11, no IAP. A peça transporta para a linguagem artística a trajetória do paraense Júlio Cezar Ribeiro de Souza que, segundo o Dr. Luiz Carlos Bassalo Crispino, estudioso de Júlio Cezar no Brasil, foi o grande artífice da navegação aérea, de cujo drama nasce a peça de Carlos Correia. De acordo com as pesquisas do Dr. Bassalo, Júlio Cezar descobre a arte de voar fundando suas hipóteses ao observar os vôos dos urubus do Ver-o-peso. Viaja para a França em 1882 e encomenda a construção de seu balão à Lachambre, após haver feito uma explanação de seu projeto em 1880. Em 1884, porém, há o vôo do La France, balão supostamente projetado pelos franceses Charles Renard e Arthur Krebs. Os registros históricos, porém, revelaram que, havendo assistido às palestras de Júlio Cezar, os franceses plagiaram a idéia do brasileiro, fato este que repercutiu em todos os jornais do mundo à segunda metade do século XIX. O desabafo relativo ao roubo de sua idéia foi expressado por Júlio Cezar nestes termos, em Maio de 1887, pouco tempo antes de sua morte: "O mundo inteiro está completamente mistificado pelos felizes plagiários do meu invento, para quem, num país de economias, chovem os milhões, para balões colossais do meu sistema, quando eu só tive migalhas no país dos grandes esbanjamentos, porque completamente mistificada por eles está a ciência". Esta fala histórica de Júlio Cezar, infelizmente ainda muito atual, apesar dos "investimentos" em educação alardeados nas campanhas políticas, resume a angústia do eu de Júlio Cezar, não menor que a dos pesquisadores atuais.

Este conflito na peça é representado sob seis pontos de vista: do sonho, das idéias, da loucura, da verdade e da eternidade, além do eu infantil de Júlio Cezar. Essas entidades são personificações de instâncias que interagem com qualquer um de nós, em nossa trajetória individual. Afinal, quem de nós nunca teve um sonho, uma idéia de superação tão intensa que "louca"? Quem de nós nunca creu um dia que "Nenhuma verdade é maior que a idéia da superação"? Quem de nós nunca comparou os sonhos da infância com a realidade que se nos revela à vida adulta? O texto dramático de Carlos Correia é também poético, como não poderia deixar de ser, e ao leitor iniciado em poesia, impõe intertextualidades com clássicos da Literatura universal, como o célebre Fernando Pessoa, para quem a infância nos faculta uma visão impossível à vida adulta: "Lembro-me de quando era criança e via, como hoje não posso ver, a manhã raiar sobre a cidade...".

Esta propriedade amplia o público da obra de Carlos Correia que abrange história, literatura, semiologia, dramaturgia e hibridismo de linguagens, fazendo de "Júlio irá voar" uma obra perfeita como recurso didático para o educador que pretende iniciar seus alunos em arte e levar-lhes à experiência estética impossível de ser alcançada na apreciação da pseudoarte que a mídia coloca ao alcance de nossos jovens. Além, é claro, de atender às expectativas do público em geral, pois a peça, embora motivada por uma pesquisa histórica, ultrapassa a objetividade do relato histórico e se autosustenta como obra de ficção. É óbvio que, sem uma direção teatral responsável por dar vida ao texto, essas propriedades textuais permaneceriam anônimas ao grande público. Com uma direção que se caracteriza por desconfigurar o espaço de apresentação teatral, Paulo Santana é o grande responsável por grande parte do hibridismo de linguagens que se verifica em cena, como na cena que recompõe a tentativa de ascensão do balão Santa Maria, na Praça Frei Caetano Brandão, onde Júlio Cezar também observava os urubus que inspiraram, de certa forma, seu invento.

2007-07-29T23:53:00.000-03:00

O POETA É UM FINGIDOR

Helder Bentes

De 13 de Junho de 1888 a 30 de Novembro de 1935 viveu Fernando Antônio Nogueira Pessoa, um poeta português natural de Lisboa, cuja engenhosidade artítica o elegeu como cânone do Modernismo português e da Literatura universal. Longe de pretender redundância de tudo o que já foi escrito sobre a obra do autor, proponho aqui uma releituira dos poemas "Autopsicografia" e "Isto", conforme congregam sinteticamente as peculiaridades da poética pessoana e denunciam as concepções do próprio Fernando Pessoa acerca da criação poética. Nestes poemas, ele nos dá uma lição de como funciona o processo da criação literária, em que há uma dialética ficção-realidade:

AUTOPSICOGRAFIA

O poeta é um fingidor.
Finge tão completamente
Que chega a fingir que é dor
A dor que deveras sente.
E os que lêem o que escreve
Na dor lida sentem bem,
Não as duas que ele teve,
Mas só a que eles não têm.
E assim nas calhas da roda
Gira, a entreter a razão,
Esse comboio de corda
Que se chama o coração.

O primeiro verso dá idéia de ficção, que significa ato ou efeito de fingir. É o produto da invenção. Há a dor real do poeta ("a dor que deveras sente") e há a dor fictícia, inventada pela linguagem poética. Os que lêem (os leitores) o que o poeta escreve (o poema), na dor lida sentem bem só a (dor) que eles (os leitores) não têm. E a dor que eles não têm é a dor fictícia, aquela dor imaginária que se materializa na linguagem poética e que, segundo Pessoa, é uma espécie de máscara que esconde "a dor que deveras sente", que, por sua vez, certamente, não difere da dor dos leitores. Mas a criação poética é ato tão fictício que os leitores só depreendem a dor lida e nela sentem não as duas dores (real e fictícia) que ele (o poeta) teve, mas só a que eles não têm. Pessoa, então, defende a idéia de que fingir é privilégio exclusivo de poetas e sentir de verdade é fato comum a todo ser vivente, independentemente de ser poeta ou não. Partindo desses pressupostos, pode-se afirmar que, para Pessoa, nem sempre "a dor que deveras sente" é a dor enunciada. Às vezes a dor real pode ser mascarada pela linguagem poética, fazendo com que o coração entretenha a razão. A linguagem poética, no dizer de Fernando pessoa, tem o poder de manipular arbitrariamente os sentimentos humanos de modo a torná-los alheios à razão. É o que se evidencia no último quarteto de "Autopsicografia", em que o coração, representante simbólico das emoções humanas no mundo ocidental, é metaforicamente comparado a um "comboio de corda", isto é, a um brinquedo que entretém a razão. Na poética de Fernando Pessoa, o ato de pensar faz que sua consciência exerça um controle sobre a criação poética, delimitando o fluxo de emoções aquém do sentimentalismo romântico. Segundo Vítor Manuel de Aguiar e Silva, em artigo cujo título é "A criação poética": "raramente um poeta, em qualquer literatura, teve tão lúcida consciência do problema do fingimento poético como Fernando Pessoa". Para ele, Pessoa sabia que "... a sinceridade psicológica não possui valor no plano da criação poética", o que justifica a primeira quadra de "Autopsicografia". Quando Pessoa refere-se, no último verso dessa quadra, à "dor que deveras sente", quer dizer que entende o fazer poético como atitude que, se abrange, também transcende os elementos existenciais, pois "a dor fingida, a dor que figura no poema, mesmo quando se prende a uma dor real, não se identifica (necessariamente) com esta". A metalinguagem é elemento indicial da posição vanguardista de Fernando Pessoa. No poema "Isto", o poeta responde às acusações de insinceridade que recebe da tradição literária confidencialista que se consolidou nas letras européias a partir do século XIX com o advento do Romantismo. Diz Fernando Pessoa:

Dizem que finjo ou minto

Tudo o que escrevo.Não.

Eu simplesmente sinto

Com a imaginação.

Não uso o coração.

Tudo o que sonho ou passo,

O que me falha ou finda,

É como que um terraço

Sobre outra coisa ainda.

Essa coisa é que é linda.

Por isso escrevo em meio

Do que não está ao pé,

Livre do meu enleio,

Sério do que não é.

Sentir? Sinta quem lê!

As idéias expressas na primeira quadra de "Autopsicografia" tornam-se recorrentes nos três últimos versos da primeira estrofe de "Isto". O que há de mais belo neste poema é a comparação entre o terraço e o produto da experiência existencial do poeta: "Tudo o que sonho ou passo / O que me fala ou finda...". Os elementos existenciais são como um terraço sobre outra coisa linda que é a poesia do poema, que o poeta escreve com a liberdade que lhe assiste de criar sem sentir, facultando aos leitores a liberdade de sentirem o que lhes for permitido na depreensão do poema. Considerando, portanto, que o poeta é um fingidor, não se deve tomar sua criação literária como um referencial investigativo de seus próprios posicionamentos a respeito de assuntos pertinentes à vida em sociedade. Por isso, as propostas de interpretação que se seguem nos artigos baseados na obra dos heterônimos não pretendem delimitar suas crenças pessoais (até porque a heteronímia é também produto do fingimento poético), mas antes inferir, a partir de uma lógica intuitiva e supra-racional, pautada também na experiência que forma a consciência empírica dos leitores, quais conceitos se refletem nos textos de Fernando Pessoa e quais as propostas reflexivas trazidas por esses textos.

Veja mais artigos sobre Fernando Pessoa aqui.

2007-07-29T22:54:00.000-03:00

A ETERNIDADE DOS SENTIDOS

Helder comenta poema de Helder

Entre,

mas cale-se.

Estou perdendo a beleza.

Estou morrendo.

Nessa vida que tudo há,

não encontro a felicidade.

Sofro.

Ainda que tudo se acabe,

quero que veja esse luto.

Quero expressar a fidelidade.

Mas antes,

quero morrer no inverno.

09/07/1995

Poema: Helder Miranda

Este texto é de um poeta paulista chamado Helder Miranda (foto) que eu um dia tive o imenso prazer de conhecer pela internet e de quem me tornei amigo. É claro que "eternidade dos sentidos" é um texto modesto diante da riqueza literária deste escritor de quem o Brasil ainda vai ouvir falar muito, mas eu não poderia banalizar aqui os melhores textos inéditos do cara, pois ele os confiou unicamente (Eu acho! Né, Helder?) a mim. Então escolhi este para postar, simples mas não menos belo. Observem como ele consegue ser simples sem cair no simplório! Literatura talvez seja isto!

Comentário: Helder Bentes

2007-07-29T21:52:00.000-03:00

OS VERSOS QUE TE FIZ - Florbela Espanca
Deixa dizer-te os lindos versos raros
Que a minha boca tem pra te dizer!
São talhados em mármore de Paros
Cinzelados por mim pra te oferecer.
Têm dolência de veludos caros,
São como sedas pálidas a arder...
Deixa dizer-te os lindos versos raros
Que foram feitos pra te endoidecer!
Mas, meu Amor, eu não tos digo ainda
Que a boca da mulher é sempre linda
Se dentro guarda um verso que não diz!
Amo-te tanto! E nunca te beijei...
E nesse beijo, Amor, que eu te não dei
Guardo os versos mais lindos que te fiz!

Adoro este soneto de minha poeta preferida: Florbela Espanca. Pra quem não sabe, mármore de Paros é um material altamente apreciado pela brancura, fineza e semitransparência. Foi explorado em pedreiras na ilha grega de Paros e muito utilizado para a confecção de esculturas e edifícios pelos gregos da era clássica. Os lindos versos raros a que Florbela se refere ganham, portanto, uma conotação que lhes acentua a beleza e o sentido a partir dessa informação. Cinzelar é fazer com esmero e nitidez; apurar. Significa que a poeta esforçou-se para fazer o melhor. Dolência é mágoa, lástima, dor. Veludo é um objeto ou superfície macia. Isso faz da expressão "dolência de veludos" uma antítese tão linda quanto a "dor que desatina sem doer" ou o "contentamento descontente" de Camões. Pra gente ver só como o amor é o mesmo no século XVI e no XX. O mesmo vale para a comparação que Florbela faz entre seus versos e as "sedas pálidas a arder". Agora não vai faltar idiota pra dizer que, por causa dessas analogias e ainda por ser portuguesa, Florbela sofreu influência de Camões... aff... Eu não aguento essas pseudo-apreciações literárias! Deixa eu me calar porque "a boca da mulher é sempre linda, se dentro guarda um verso que não diz"... rsrsrs... Saudações a quem veio aqui e teve saco pra ler este comentário. Obrigado a quem quiser deixar o seu. Volte sempre! Desculpem, sei que era pra ser um soneto, mas não posso mais perder tempo tentando editar... rsrsrs...

Helder Bentes

2007-07-29T21:03:00.000-03:00

A CAUSA NÃO TÃO SECRETA DE MACHADO DE ASSIS

Helder Bentes

A causa secreta não é tão secreta assim. Machado de Assis, cuja literatura marcara a segunda metade do século XIX proclamando a independência literária do Brasil, no conto “A causa secreta” empreende um texto recheado de um ir e vir espaço-temporal que produz tensão entre leitor e texto. Neste conto, a linguagem se articula de modo a brincar com a imaginação do leitor, tecer curiosidades e atrair-lhe a atenção especulativa ao prazer estético semelhante ao de Fortunato:
“... alguma coisa que traduzia a delícia íntima das sensações supremas (...) tão somente um vasto prazer, quieto e profundo, como daria a outro a audição de uma bela sonata ou a vista de uma estátua divina, alguma coisa parecida com a pura sensação estética.”
A comparação parece meio grotesca se levarmos em conta que o “objeto estético” de Fortunato não é tão nobre quanto a literatura machadiana, mas a descrição supracitada poderia, sem dúvida, aplicar-se ao prazer que se sente ao desvendarmos o que há de secreto nesta causa.
O texto narrativo é cheio de variáveis, conforme afirma Jonathan Culler: “Há muitas variáveis e elas são cruciais para os efeitos da narrativa (CULLER, 1999). Em “A causa secreta”, há uma narração em terceira pessoa e os narratários são os leitores do século XIX, o conto data de 18..., a história se passa no Rio de Janeiro e há no texto indícios de que seu autor subentendia um público conhecedor de certas referências, tais como Catumbi (bairro), Santa Casa, rua de D. Manoel, teatro de S. Januário, beco do Cotovelo, rua de S. José, Largo da Carioca, praça da Constituição, quartel de Moura, rua de Mata-cavalos, rua do Conde etc..
Há também a partilha de certos pressupostos entre o narrador e o seu público, destinatário imediato da história narrada, que certamente não seriam partilhados facilmente por um leitor moderno. É o caso das referências a certas expressões que se configuram no texto sem nenhuma explicação, donde a suspeita de se tratarem de expressões comuns ao vocabulário de 1862 no Rio de janeiro, tais como: tílburi, malta de capoeiras, curou, cáusticos, flâmulas, etc..
A narração da causa secreta machadiana não se situa na época em que os eventos ocorrem, pois Machado de Assis, sendo sabidamente o autor do conto - o que nos faz inferir ser ele próprio o narrador cuja voz nos conta a história - afirma:
“como os três personagens aqui presentes estão agora mortos e enterrados, tempo é de contar a história sem rebuço”.
O advérbio “aqui” nesse trecho do conto, nos remete ao próprio conto, o lugar a que esse “aqui” se refere é o espaço da configuração do texto na superfície do impresso, onde são citados os nomes dos principais personagens da história a ser narrada: Fortunato, Garcia e Mara Luísa.
A linguagem articula-se de modo a tecer um discurso narrativo predominantemente monológico à medida que há pouca recorrência do discurso direto. A narrativa constrói-se de modo a conduzir a imaginação do leitor à contemplação das cenas, estruturadas de forma seqüencial, mas a partir de um critério muito mais centralizado na depreensão da “causa secreta” e do que se pode inferir sobre a natureza humana a partir da narrativa, do que no enredo propriamente dito.
Os episódios que se articulam seqüencialmente nesse sentido não seguem a lógica espaço-temporal, pois a narrativa começa com a descrição de uma cena posterior ao ponto culminante da história (a cena de sadismo contra o rato, aqui considerada o “clímax” porque, a partir dessa cena, não restam mais dúvidas a Garcia quanto às tendências sádicas de Fortunato).
O narrador parece utilizar-se desse recurso meio ilógico para imprimir certo aspecto lúdico ao texto e até certa originalidade, posto que seria mais comum começar a narrativa pela visita de Fortunato à Santa Casa, quando Garcia o vira pela primeira vez, em 1860. A história narrada se passa em 1862, mas “para fazê-lo entender, é preciso remontar à origem da situação”.
Nessa tentativa de recompor os acontecimentos desde 1860, a linguagem empregada pelo narrador deixa escapar uma série de indícios de que a causa secreta não era tão secreta, pois vai envolvendo o leitor na curiosidade de Garcia e, como a essa altura já está explicada a narração posterior aos acontecimentos finais, o olhar retrospecto do narrador sobre a seqüência dos acontecimentos, até chegar novamente à cena descrita no primeiro parágrafo, revela a natureza especulativa do personagem Garcia, de quem, neste sentido, o leitor aproxima-se com uma singular curiosidade que lhe fora motivada pela articulação da linguagem literária:
“Tinham falado também de outra coisa, além daquelas três, coisa tão feia e grave, que não lhes deixou muito gosto para tratar do dia, bairro e a casa de saúde. Toda a conversação a este respeito foi constrangida. Agora mesmo, os dedos de Maria Luísa parecem ainda trêmulos, ao passo que há no rosto de Garcia uma expressão de seriedade, que lhe não é habitual”.
“A peça era um dramalhão, cosido a facadas (...) Fortunato ouviu-o com singular interesse. Nos lances dolorosos, a atenção dele redobrava, os olhos iam avidamente de um personagem a outro (...). No fim do drama, veio uma farsa, mas Fortunato não esperou por ela e saiu...”.
“Ia (...) parando às vezes, para uma bengalada em algum cão que dormia”.
“Durante o curativo (ajudado pelo estudante), Fortunato serviu (...), olhando friamente para o ferido, que gemia muito”.
O Leitor é induzido a partilhar a curiosidade de Garcia em relação ao comportamento de Fortunato. Em outras palavras, o leitor é convidado, através da linguagem literária, a também possuir, “em gérmen, a faculdade de decifrar aos homens, de decompor os caracteres”.
Veja como Garcia é descrito:
“Tinha o amor da análise, e sentia o regalo, que dizia ser supremo, de penetrar muitas camadas morais, até apalpar o segredo de um organismo”.
Esse organismo, no enredo, é o comportamento sádico de Fortunato que ora se lhe afigura “um ato de rara dedicação” ou “uma ação bonita”, ora se revela uma personagem, no mínimo, contraditória:
“Maria Luísa ficou desconsolada com a zombaria do marido”.
“Fortunato (...) ocupava-se nas horas vagas a rasgar e envenenar gatos e cães. Como os guinchos dos animais atordoavam os doentes, mudou o laboratório para casa, e a mulher, compleição nervosa, teve de os sofrer”.
Anatol Rosenfeld, em artigo cujo título é “literatura e personagem” (in: A Personagem de ficção. São Paulo, Perspectiva, 1981, p. 42), nos chama a atenção para o fato de que:
“A apreensão do mundo fictício é acompanhar intensas tonalidades emocionais. (...) Ao forte envolvimento emocional liga-se, no apreciador adequado, a consciência do contexto lúdico”.
É a esse contexto que pretendo me referir neste texto, pois “A causa secreta” é um conto que impõe essa apreciação consciente. O texto deixa algumas lacunas:
“Garcia alcançou prontamente que o outro acabasse com tais estudos. Se os foi fazer em outra parte, ninguém soube, mas pode ser que sim”.
Gouveia, por exemplo, é um personagem cuja razão de ser é apenas a alusão ao fato de que os comportamentos reconhecidamente benfeitores pela moral convencional (toda a gente pasmava e aplaudia) são passíveis de questionamentos e de relativização, pois o comportamento humano é cheio de variáveis, como um texto narrativo. Tais variáveis devem ser apreciadas com bom senso e espírito de análise a fim de evitar que o leitor se perca em especulações acerca de pormenores que em nada interessam ao enredo.
O importante não é saber se Fortunato continuou ou não a estudar anatomia e fisiologia, como Maria Luísa percebera o amor de Garcia, se Fortunato sabia ou não que sua esposa estava tísica, se Garcia perdoara ou não Fortunato, se Maria Luisa estava mesmo escondendo a doença. Essas questões são periféricas à compreensão da trama e ao entendimento da narrativa, de modo a concentrar a atenção do leitor no organismo cujo segredo precisa ser apalpado.
O que está em jogo aqui não são as especulações acerca da condição submissa de Maria Luísa. A discriminação contra a mulher e o negro, “o preto que o servia”, deveria ser comum àquela época e se encaixaria naquele rol de pressuposições que eu dissera ser partilhado pelos leitores de então.
A causa secreta que se nos revela nessa narrativa machadiana está na reprodução do pensamento de Garcia:
“_ Castiga sem raiva, pensou o médico, pela necessidade de achar uma sensação de prazer, que só a dor alheia lhe pode dar: é o segredo deste homem”.
O personagem Garcia conclui isso após o episódio do rato, mas a reprodução desse pensamento conclusivo é posterior, no texto, à descrição do prazer de Fortunato durante o massacre do rato:
“Garcia (...) estava longe de esperar o que viu”.
A tensão entre as convenções e seus opostos perpassa toda a narrativa, mas torna-se mais evidente ao seu final, quando se faz referência à doença de Maria Luísa como mortal e aos cuidados de Fortunato em relação a ela. O sadismo de Fortunato aparece paralelo ao paradigma das doenças convencionais como um seu oposto, uma doença que não se configura como tal, posto que parece aos olhos da sociedade nada além de zelo conjugal:
“Fortunato recebeu a notícia como um golpe, amava deveras a mulher, a seu modo, estava acostumado com ela, custava-lhe perdê-la. Não poupou esforços, médicos, remédios, ares, todos os recursos e todos os paliativos”.
Até aí isso tudo parece legítimo, mas depois Fortunato deleita-se com a agonia da esposa, como se deleita com o sofrimento de Garcia sobre o cadáver de Maria Luísa.
Tal deleite subjuga qualquer outra afeição e encerra o conto numa linguagem que seleciona palavras cuja conotação nos remete à sensação do prazer sádico de Fortunato:
“..saboreou tranqüilo essa explosão de dor moral que foi longa, muito longa, deliciosamente longa”.
Os acontecimentos são enfocados a partir da perspectiva do personagem Garcia. Mas há um narrador em terceira pessoa que não se deve confundir com esse personagem.
O problema da focalização na causa secreta passa pela variável temporal à medida que a história se passa em 1862, mas o narrador recua no tempo, parte de 1860 para empreender a narração direcionada especificamente à compreensão do sadismo de Fortunato. O fato narrado ao começo nos é apresentado como se houvesse uma concomitância temporal entre o fato narrado e a narrativa.
“Agora mesmo, os dedos de Maria Luisa parecem ainda trêmulos, ao passo que há no rosto de Garcia uma expressão de severidade, que lhe não é habitual”.
Isso ocorre em função de que todas as orações desse período estruturam-se em torno de verbos no presente do indicativo, isso faculta ao leitor a concomitância temporal a que me referira, além de constituir um problema alusivo ao tempo na literatura que já fora referendado por Benedito Nunes:
“a narrativa, como ato, se desdobra temporalmente. Contar uma história leva tempo e toma tempo de quem a escuta ou lê (...) como atividade real, pode ser o exercício de uma arte, cujos parceiros estão em confronto (...) distantes entre si, separados no espaço e no tempo, no caso da narrativa escrita (...) A narrativa abre-nos, a partir do tempo que toca à realidade, um outro que dela se desprende. Assim, é forçoso concluir que ela abrange dois tempos em vez de um só”.
Em “A causa secreta” essa experiência é vivenciada tanto pelo autor quanto pelo leitor, o que legitima e, em certa medida, justifica o trecho literário supracitado, sempre atual, dada a flexão verbal no período, seja qual for o tempo da apreciação pelo leitor. Isso justifica também o seguinte trecho:
“Como os três personagens aqui presentes estão agora mortos e enterrados tempo é de contar a história sem rebuço”.
A história se passa em 1862, mas dadas a atemporalidade e a durabilidade da escrita, o texto se atualiza na leitura para o que parecerá verossímil a morte fictícia das personagens mencionadas.
Certamente, os efeitos purgativos que esse conto exerce sobre o espírito do leitor são possíveis apenas pela escolha da focalização na perspectiva do personagem Garcia e por todas as variáveis decorrentes da estrutura episódica que ora recua, ora avança no tempo, mas que se move progressivamente na consciência crítica de Garcia, o que faz com que essa causa não seja tão secreta assim.

Bibliografia mencionada no artigo:

CULLER, Jonathan. Teoria Literária – Uma Introdução. São Paulo, Beca, 1999.
NUNES, Benedito. O tempo na narrativa. São Paulo, Ática. 1988.
CÂNDIDO, Antônio e outros. A personagem de ficção. São Paulo, Perspectiva, 1981.

2007-07-29T11:17:00.000-03:00

O LIRISMO NADA COMEDIDO DE ELISA LUCINDA

Helder Bentes

Apresento-lhes aqui a poeta capixaba Elisa Lucinda, a Selma da novela “Páginas da vida”.
Ao me referir a Elisa Lucinda, usarei o termo poeta em lugar de poetisa, pois desde que Olga Savary (prima de Carlos Drummond de Andrade) me repreendeu numa entrevista, quando usei poetisa, não ouso mais utilizar essa palavra para designar as mulheres poetas.
Para a prima de Drummond, poetisa é um termo inadequado porque a terminação “-isa” seria pejorativa. Lembrei-me de Fernando Pessoa: “O poeta é um fingidor"; de Chico Buarque, que tão bem incorpora o eu feminino; e de tudo o que se faz na criação literária desde as cantigas medievais portuguesas. E concordei que "poeta" deve ser um substantivo comum de dois gêneros, ou seja, aquele que tem uma única forma tanto para o masculino quanto para o feminino e cuja distinção de gênero marca-se pelo artigo: o poeta / a poeta.
Mas vamos à poesia de Lucinda. Proponho aqui uma leitura de “Escolha”, poema declamado no álbum “O semelhante” (1997):

Escolha

Eu te amo como um colibri resistente

incansável beija-flor que sou

batedora renitente de asas

viciada no mel que me dás depois que atravesso o deserto.

Pingas na minha boca umas gotas poucas

do que nem é uma vacina.

Eu uma mulher, uma ave, uma menina…

Assim chacinas o meu tempo de eremita:

quebras a bengala onde me apoiei,

rasgas minhas meias, as que vestiram meus pés

quando caminhei as areias.

Eu te amo como quem esquece tudo

diante de um beijo:

as inúmeras horas desbeijadas,

os terríveis desabraços,

os dolorosos desencaixes

que meu corpo sofreu longe do seu.

Elejo sempre o encontro,

Ele é o ponto do crochê.

Penélope invertida,

nada começo de novo,

nada desmancho,

nada volto.

Teço um novo tecido de amor eterno

a cada olhar seu de afeto,

não ligo para nada que doeu.

Só para o que deixou de doer tenho olhos.

Cega do infortúnio,

pesco os peixes dos nossos encaixes,

pesco as gozadas,

as confissões de amor,

as palavras fundas de prazer.

as esculturas astecas que nos fixam

na história dos dias.

Eu te amo.

De todos os nossos montes

fico com as encostas.

De todas as nossas indagações

fico com as respostas.

De todas as nossas destilarias

fico com as alegrias.

De todos os nossos natais

fico com as bonecas.

De todos os nossos cardumes

as moquecas.

O Eu desse poema fala com a pessoa amada, comparando-se, no ato de amar, ao beija-flor que teima em bater asas contra a solidão. Não é assim que o amor acontece?
A metáfora da ave refere-se ao hábito romântico de voar, tirar os pés do chão ou, como se diria popularmente, ”viajar”. Quando se ama, deixa-se de ter um suporte (quebras a bengala onde me apoiei). Perde-se a proteção dos alicerces contra o desequilíbrio emocional próprio da solidão-deserto (rasgas minhas meias / as que vestiram meus pés / quando caminhei as areias).
Na segunda estrofe, temos a fraqueza de memória romântica. Como diria João Bosco, “o amor, quando acontece, a gente esquece logo que sofreu um dia”. Um beijo é suficiente para se esquecer “as inúmeras horas desbeijadas”, um abraço basta para esquecer os “desabraços”.
A autora quebra as oposições beijos/desbeijos e abraços/desabraços ao mencionar os “dolorosos desencaixes”, sugerindo o encaixe prazeroso entre corpos que estavam longe um do outro, mostrando como o erotismo pode virar poesia nas entrelinhas de um texto.
Elisa Lucinda é poeta cuja linguagem provoca o leitor e o motiva ao erotismo romântico e a reflexões filosóficas sobre o ato de amar (Pingas na minha boca umas gotas poucas do que nem é uma vacina). Todo romântico alimenta-se de gotas inefáveis cujo efeito virulento, oposto ao de uma vacina, consome o tempo de seu sofrimento.
A escolha é a do encontro amoroso contra a necessidade do desencontro definitivo, por ser o desencontro provavelmente mais freqüente do que se deseja (Elejo sempre o encontro / Ele é o ponto do crochê).
A poeta relaciona seu texto a um clássico da literatura universal - a Odisséia, de Homero - ao criar um eu que se compara a Penélope, personagem da mitologia grega, esposa de Ulisses, guerreiro de Tróia que pode perdê-la, pois o pai de Penélope quer casá-la novamente. Ela, porém, a fim de não frustrar a vontade do pai, diz-lhe que se casará com outro somente após concluir o tecido de uma colcha que fazia pela manhã, mas desmanchava à noite, para ganhar tempo à espera do retorno de Ulisses.
Por isso a referência ao ponto do crochê como metáfora do encontro. A diferença entre o Eu de Escolha e a personagem mitológica é que Penélope desmanchava a colcha para começar de novo, e o Eu de Escolha nada começa de novo, nada desmancha, nada volta, mas detém-se no ponto do crochê, o encontro, o meio termo que nunca é contemplado na sociedade, que não ata e nem desata, não... e não sai de cima, entendem?
Em nossa cultura, ainda somos “namoro ou amizade”, “casamento ou separação”, apesar de vivermos a era do fica, em que a realidade exige um meio termo entre as classificações do complexo ato de amar.
Complexo porque amar nos ensina a perdoar, a desmanchar nossos tecidos diante de um olhar, nos faz esquecer as desgraças e a dor, e faz de nós esculturas astecas que nos fixam nas histórias dos dias, tecendo um novo tecido de amor eterno, numa dimensão espaço-temporal cuja realidade já não comporta o amor em toda sua plenitude.
Esta “Escolha” de Lucinda é a das coisas boas de uma relação amorosa, ilustradas pelas imagens de encostas, respostas, alegrias, bonecas e moquecas; em detrimento da realidade, que racionalmente determinaria uma Penélope decidida a esperar ou a pôr fim à espera. Essa realidade é representada no texto pela imagem de montes, indagações, destilarias, natais e cardumes.
Elisa Lucinda é uma poeta maravilhosa, um nome ímpar no cenário da Literatura de um país ainda em transição secular, onde a transitividade da vida nos faz esquecer sua transitoriedade ou compensá-la em outras “criações” menos originais, pra não dizer bregas mesmo.
Quem quiser saber mais sobre o trabalho de Lucinda como poeta deve procurar pelos seguintes títulos (lembrando que poesia também acontece em prosa): O semelhante; Lili, a rainha das escolhas; Contos de vista; Euteamo e suas estréias; O menino inesperado; O famoso órfão; A menina transparente e o recente A fúria da beleza, em cuja leitura recomendo lambe-lambe, na página 147, uma lambida na imaginação criadora própria ou de outrem, vanguardando a publicação em poema (pois Nélson Rodrigues já o fizera em prosa) de nossos instintos impublicáveis, mas... Por que mesmo impublicáveis?
Quem conhece Poética, de Manuel Bandeira, sabe que, se nosso poeta estivesse vivo, se realizaria no lirismo nada comedido de Elisa Lucinda.

2007-07-29T11:04:00.000-03:00

ALICERCE VIRTUAL PARA POESIA REAL
Helder Bentes

eusemmim.com.br
(Carlos Correia Santos)

Em qualquer canal de TV, madrugada.
Até o último beijo do último filme dos anos 50.
Em qualquer @ roubo d’alma teclada,
em que “site” minha noite afora já entra?

Quem está ai que aqui não está?
Muito prazer! Que prazer há de haver?
Meu nome, na verdade, não é de verdade.
Mas talvez o poema que sou não chegue a te comover.

Na TV, chuva. Lá fora, chove. Dentro de mim: gotas.
Na outra tela, a espera por outra tela que o irreal erre.
Mas o virtual é um virtuoso tornar passado o presente
e eu aqui só fico nesse “eusemmim.com.br”

(SANTOS, Carlos Correia. Poeticário. Belém, RKE, 2005, p.157)

Em tempos de cibercultura, a poesia do século XXI ganha corpo e alma também oriundos da mediação estrutural do conhecimento. A internet não substituiu a leitura do impresso, mas tornou-se ferramenta importante no desenvolvimento da leitura, inclusive do texto literário, além de servir de matéria-prima para a criação literária. Foi o que fez Gilberto Gil na canção “Cérebro eletrônico”, gravada pela maravilhosa Marisa Monte em seu 4º CD (Barulhinho Bom). É o que faz o escritor paraense Carlos Correia Santos, no livro “Poeticário” (Belém, RKE, 2005, 191 páginas).
No poema eusemmim.com.br (p.157), Carlos Correia Santos trata das vantagens e desvantagens da comunicação eletrônica via internet, mas não em linguagem objetiva, haja vista tratar-se de um texto literário.
Seu poema faz referência à era da imagem, que posta em movimento no cinema e popularizada pela televisão a partir da segunda metade do século XX (“Até o último beijo do último filme dos anos 50”), cria uma sociedade pautada na hegemonia da aparência, de tal modo que “talvez o poema que sou não chegue a te comover”.
Segundo o psiquiatra José Ângelo Gaiarsa, “as pessoas disfarçadas dizem muito mais a verdade sobre o que sentem e pensam que quando olhadas”. Carlos Correia Santos refere-se a esses disfarces, que são os nicks das salas virtuais de bate-papo pela web (“Meu nome, na verdade, não é de verdade”).
Na citação de Gaiarsa esta referência às "pessoas disfarçadas" é objetiva, já no poema em questão pode ser percebida somente por inferência, que carece de comprovação a partir de contextos e relações com outros textos. Daí se conclui que o poema, como qualquer outro gênero literário, requer um tipo de leitura prática, em que você relaciona o que lê ao que você já sabe e aprendeu através de leituras prévias e por meio de sua própria experiência de vida, pois somente assim a leitura contemplativa fará sentido. Afinal, ninguém se deleita com o que não entende.
Um texto não será literário apenas porque está sob a forma de um poema, nem será não-literário se apresentar-se em prosa. Os fatores que determinam a distinção entre essas duas modalidades textuais estão na sua configuração intrínseca, na sua essência, não na aparência.
Neste poema, temos um eu lírico cuja "alma teclada" expõe-se "noite afora", inserida em atmosfera noturna, o que não significa uma noite literal, mas provavelmente uma referência às escuridões da solidão, que fazem a alma desdobrar-se sobre o teclado de um computador.
A noite sai ao entrar ("em que site minha noite afora já entra?") e, nesta antítese entre movimentos de entrada e saída, temos a reprodução da inquietude peculiar da solidão, associada às movimentações de entrada e saída em sites e páginas da web.
O texto traz símbolos e referências próprias do universo virtual (@, site, canal, TV, filme, teclada, tela, .com.br, virtual, irreal). Mas, para que se compreenda este poema, é preciso entender "virtual" não no sentido de "irreal", mas como uma potência de realidade. Pois virtual não se opõe necessariamente à realidade, mas pode tornar-se real, como uma árvore que existe potencialmente numa semente, ou como o fogo existe virtualmente num fósforo que ainda não foi aceso.
Neste sentido, "Quem está aí que aqui não está" poderá estar um dia e, então, haverá resposta para "Que prazer há de haver?". Descobrir-se-á qual "poema" (ser) havia por trás do nome que, não sendo de verdade, também não era de mentira.
O poema encerra com um movimento simultaneamente evasivo e auto-centrado do eu lírico, pois as gotas interiores são comparadas sugestivamente às "chuvas", aos derramamentos reais ou fictícios (“Na TV, chuva. Lá fora, chove. Dentro de mim: gotas”).
Faz-se referência às esperanças próprias de quem se destila diante da tela de um monitor (“Na outra tela, a espera por outra tela que o irreal erre“), quer seja no sonho errante, ou na esperança de que o virtual torne-se real, acerte a realidade e erre a outra tela (personificação do eu em telas). Finalmente, a desotimização do tempo (“Mas o virtual é um virtuoso tornar passado o presente”) e a evasão de si mesmo (“e eu aqui só fico nesse eusemmim.com.br”).
Por tudo isso, devo concordar com o também escritor Salomão Larêdo que, a respeito da poesia de Carlos Correia Santos, afirma: “...sabe onde buscar o poema para fazer a poesia e vice-versa”.
Com efeito, mesmo em tempos de entusiasmo perante a cultura digital, constata-se – na Literatura de um país que, por motivos óbvios, estaria ameaçado pelo mau uso dessa cultura pós-moderna – uma reação à sobrevivência da arte, da Literatura e dos leitores.

SALIVA, SUIÇA E SAXOFONE - Celso Miranda de Carvalho

2007-07-29T01:35:00.000-03:00

uma junção mais do que aristocrata.
uma unção.
visão de mundo opaca,
deturpada.

é meu sabor indo de encontro ao teu
numa síncope que arrebata tua hostilidade.
o nada que circunda tua dourada tez
refutou o deserto de minh'alma.

foram repentes desiguais.
constrangimentos desleais.
alusão ao alheio.
iras conjugais.

queria dedilhar este timbre que
trescala sabor aveludado.
queria ser teu solista em meio
à platéia perdida.
eu te achei.
eu me perdi.
culpa dos teus olhos nublados
que transmitiam agonia.

pétalas e blues.
apenas blues. (jazz também)
miscelânea de delírios.
confusões.

foi um lampejo de contentamento.
uma américa ao horizonte utópico.
manuscritos peçonhetos.
fábulas e brigadeiros.
terra de mecenas que
alimenta teu âmago.

labuta!
labuta!

cadê os céus de zurique?
cadê os céus de zurique?
cadê o mel da tua face?
cadê o fel do teu humor?
cadê os medíocres estadistas?
cadê o parlamento irretocável?

tu preferes este átono inverno
ao calor do meu suor?
pior.
tu preferes folhas caídas às
tuas descabidas recaídas? (leia-se costumeiras)
efêmeras despedidas.

estou contigo na epopéia da
tua criadora.
tua vida.
tu queres a prole contigo.
eu quero teu gosto bandido.

Dedicatória:
alude-me à pessoa que mudou
meus ponteiros,
meus anseios.
que quero para sempre.
que acabe na perpetuidade.

PRÉ-CONCEITO - Helder Bentes

2007-07-28T19:01:00.001-03:00

Olhar sem enxergar,

Além da pele, um Coração.

Além da religião, um Valor.

Não ver no objeto da discrimação

Tão bem um Sujeito do Amor,

Um Ser-Além da social convenção,

Que O limita ao sexo ou à idade.

Parece não ter nexo nem verdade

Pré-conceito de feia Liberdade.

Neste uni-verso pré-definido,

A Competência é sexuada,

A Verdade é empossada

E os Valores consumidos...

E o dom da Diferença,

Neste mundo de iguais,

É o mote da desavença

Entre seres tão banais.

Não ter coração é a diferença

A entre ter e não ter amor

A parente não é essência

A Quem partilha a mesma dor.

Na sintaxe do viver

O acessório não faz falta.

Porquanto a vida não se integra

Entre objeto e sujeito,

Mas decerto de feito

Que qualidades pode ter.

Basta AMAR para CONJUGAR,

Além destes, o verbo SER.

AR ROUBA DO AMOR - Helder Bentes

2007-07-28T18:34:00.000-03:00

Já quando a solidão gritou em mim
O tapar-lhe a boca a calar-lhe a voz
Havia dentro deste eu sem mim
Não companhia para eu e ela a sós
Na alegria, prazer e emoção,
Yes renasceu no coração
Ganhei felicidade em acontecimento
@ que vir pôde do que estava a roubar dentro
Tatuada em nick metafórico de g@to
Onde arroba pesa o ato
2 vezes o converte arráteis de atitude
5 gozos de carinho em frases de virtude
& Você é especial pra mim!
Paula, você é minha lindinha!
Ah... a mulher linda que mora em mim
Uma vez mais abre as portas que governa
Leva a mão que tapou a boca da solidão
A fazer carícias entre as pernas
E a solidão que gritava baixinho murmura
Um prazer que nasce da dor.
E as madrugadas se consomem na usura
Vagas, taradas, carentes de afeto e cantam
Cem vezes arroba do @mor.

07/03/2007

ALMA GÊMEA - Helder Bentes

2007-03-16T16:57:00.000-03:00

Há quem gêmea alma diga existir

Aquém ou além das dores do sentir.
Minh´alma, porém, não tem alma-irmã
Que pense, lembre, queira e ame como eu.
Minha´alma órfã em espera vâ
Multiplica a fé asceta de um ateu.
Minh´alma afeita a abrigar-te
Se obriga a abster-se do sonho meu.
Se a briga entre minh´alma e o realizar-se
Levasse à vitória do Ser fêmea,
Teria eu alma-irmã que assim amasse,
Teria eu fé e cria em alma gêmea.

15/03/2007

O QUE DIZER - Helder Bentes

2007-03-16T16:07:00.000-03:00

O que dizer do estar só?
O que dizer do que, tendo ido,
Tem doído minh´alma
Amarrando a garganta em nó?
Ama errando e sem calma
Transborda e se perde sem dó
Na lembrança do ainda era uma
Vez tua voz, você, tua voz e só...

O que dizer de planos à vida real,
Se a sensação evidente é mentira
Reflete ida na vontade sempre latente,
Num fluir de dentro amor animal
A saciar a sede nascente da ira
De amar-te apenas na mente?

Saiba, porém, amor, haver em mim coração,
Espaço reservado tão somente a ti
Perdoa a ira, perdoa a sede e o animal, então,
Adormecerá e acordará a verdade em mim.

30/01/1993

COMBINAÇÕES - Helder Bentes

2007-03-16T15:41:00.000-03:00

Ao chamar-te meus lábios se beijam,

Ao teu nome vibra minha língua
Som tão masculino
Que nem pareço
Chamar um menino.

Para passos curtos, longas pernas.
Para visão de mundo, focos diversos.
Para labirinto sem saída,
Da orelha ao ouvido desvãos dispersos
Juntam vinda e ida.
Para o tudo escuro do viver
O nada rosado de lábios a ver
Luz na memória esquecida:
"No escuro sentimos prazer!"
Para cansaço disposto em sono,
Tua presença a vigiar.
Para desejo arrebatado em sonho,
Tua ausência a acordar.
Para solidão fria,
Pelos, pernas, ardente lareira!
Para o preto e branco do ao vivo “ai, vida!”
Cor clara-castanha linda e sofrida.

Para minh´alma cega-carente,
Teu olhar castanho-transparente.
Para meu silêncio, tua voz.
Para teu mistério, minha paixão.
Para meu sorriso, tua alegria.
Para tua boca quente, minha pele gélida.

Tocar-te é assim:
Querer-te pra mim!
O menino que és
Combina com o homem
Que sonho a meus pés.

ALMA DE MENINA - Helder Bentes

2007-03-08T01:15:00.000-03:00

Ser mulher é ser bela

É ser maior que modelos

De simulacro ou passarela.

É ter claros ou escuros cabelos

Ou às vezes nem tê-los,

mas com pensá-los na cabeça.

Ser mulher é ser humano,

É um ter ímpetos de Hera,

Esposa e mãe ciumenta.

É ter força de insano,

Em volta de si um exército angelical,

Serafins, querubins e arcanos

A morder-lhe em atitude marginal.

Ser mulher é ser eu feminino,

Empático, empírico, animal.

É conceber a Razão.

É parir a Emoção.

Amamentá-la na antítese do mal.

Ser mulher é ser paradoxo do homem,

A diferença redentora que faz do mundo

Um maravilhoso leito conjugal.

LEILA E FÁBIO - Helder Bentes

2007-03-06T21:12:00.000-03:00

Olhos de amêndoa
Tal qual moenda
Fonte de doçura
Cheia de candura
Fios preciosos sobre a cabeça
Depurando o ouro de seu rosto
Astros luminosos como essa
Fonte de luz que dá o gosto
Bom da visão ao cego

Perdido entre os tecidos de minha pele
Em meus lábios enchendo meu ego
Com o respaldo que vem dele
O menino dos meus sonhos

"Fiquemos um perante o outro, como dois conhecidos desde a infância, que se amaram um pouco quando meninos, e embora na vida adulta sigam outras afeições, conservam, num escaninho da alma, a memória de seu amor antigo e inútil"

(Do Poema "Cartas de Amor" de Fernando Pessoa)

SEMENTE DE FELICIDADE - Helder Bentes

2007-03-06T20:21:00.000-03:00

De um ventre de mulher
Ao meu coração...
É tudo o que se quer
Para saciar este chão
Árido, até então,
Por ausência absoluta
De uma forte emoção.
Assim tão louca
Quanto louca é a luta
Pra vencer minha razão.
Não é pouca a sensação
De te ter em minhas mãos.
Contemplar o sol nascente
Com a alegria sempre presente
De te ter no coração
E te ver integrando a natureza
É para mim uma beleza
Como a sutileza da canção.

(04/11/1992)

Dedicado ao Alex.

QUERERES - Helder Bentes

2007-03-06T19:52:00.000-03:00

Eu conseqüência da causa
Desconhecida e justificada
Por um “aconteceu!”.
Vontade em fantasia é uma quimera
Desejo sem anestesia já era!
Desquerer é maior que o frio quente
Do calor de teu corpo ausente.
Afundo no tempo
A fim do momento
Afim entre dois.
Contra a solidão,
Perco-me em pensamento.
Sei-me e sinto-me
Desejado amante.
E o peito é bomba,
Vulcão transbordamento
Do leite morno e grosso do amor.
E o leito frio é fina sombra,
Torneira derrama dor,
Lágrima furtiva,
Rosto crispado,
Lucidez e consciência
De alívio infeliz,
De carência suprimento,
Antítese da sapiência
Que comigo não condiz.

(Setembro/1990)

AMAR-TE - Helder Bentes

2007-03-06T19:23:00.000-03:00

Amar-te é vida intensa, mente viva!
Amar-te é vida do sonho de existir,
Ser, ocupar lugar
No espaço do teu coração,
No tempo da tua vida.

Amar-te é viagem.
Parte ida da real idade triste.
Um ir embora encarna dor de mim
Um reflexo teu.
Amar-te é um reencarnar inteira tua metade.

Amar-te é materializar-me aquém do teu sonho
Amar-te é evaporar-me além de tua precisão.

(Setembro/1992)

SENSAÇÕES - Helder Bentes

2007-03-06T18:51:00.000-03:00

Um repente minha arte ameaça
Cai o escudo
Saio da redoma

Chegas a decifrar meu pensar
Minha vida pára em
Tua voz
Meu jeito
Tua respiração
Meu pensamento
Som de beijos
Do abraço apertado o desejo
Ah... o aroma epitelial tateando-me visões
Inesperadas reações
Fim de espera, premonições
Fala a razão
Grita o coração
Ah! Ilusão imensuravelmente

Deliciosa
Saborosa
Gostosa

Ergue o mastro astral aos píncaros mais altos
Penetra em minha alma
Entendimento
Vontade
Afeto
Tudo o que Sou
Tudo o que tenho

(Agosto / 1992)

O SENTIDO DA VIDA - Helder Bentes

2007-03-06T18:22:00.000-03:00

A vida passa...
A vida passa com o tempo,
Se esvazia como um balão
Outrora reluzente.

Para quê, então, tudo isso?

Para encontrar não um,
Mas O sentido da vida
Que não passa com o tempo,
Não se esvazia como um balão
Eternamente reluzente.

(12/04/1994, às 20:35)

SIMBIOSE - Helder Bentes

2007-03-06T17:52:00.000-03:00

Uma atmosfera de solidão
No espaço por mim ocupado.
De corações uma multidão
Por mim apaixonados.
Disfarce da realidade descontente.
Quer você completo,
Inteiro, total e definitivo...
Quer vestir-se da pele tua,
Tocar-te e elevar-se
Ao cume do prazer,
Respirar teu ar à luz da lua...
Teu coração a bater em função do meu
Coração que só bate em fusão com o teu.
Deixarmos nossos minhas meus...
Sermos par meu do ímpar teu.
O ouvirmos voz una sem querer
O que sentimos por nós saber,
Na sinestésica simbiose do prazer!

Dedicado a José Ângelo Gaiarsa

VELA DO AMOR - Helder Bentes

2007-02-26T17:32:00.000-03:00

As meninas casadouras o sabiam bem:

O amor medieval já não era amar,

Chamara-se o amado amigo, porém.

O inseguro caos fez

Da família o grande sonho.

Tudo desta instância

É como filha de viuvez.

Eis o porquê da desesperança,

Eis o porquê do olhar tristonho.

A Realidade empírica do homem

Supera namoros, noivados, matrimônios;

Suplanta papéis, ritos, mitos, patrimônios...

É a Realidade da experiência também

Quem, como o pai de família...

Quem, como a esposa, mãe e filha...

Quem, como a namorada, a noiva do dia...

É a Realidade, repito, quem com ironia

Impõe-se e faz da AMIZADE o Amor perfeito

Demais, imensurável grandeza, inapreensível porfia!

Amizade, signo durável cuja ingestão pelo peito

Traz ao pensamento a autônoma coisa.

Feliz o homem a quem tal pensamento se revela

Nele seu amigo será para sempre

Mais que o amado das casadouras meninas

Como um barco eterno de momento a içar vela.

(Àqueles de Quem Sou Amigo)

AO MEU DEUS - Helder Bentes

2007-02-26T17:21:00.000-03:00

Da janela do novo quarto, velho horizonte.

O azul se firma por trás das nuvens,

Esta liberdade desfirma-se em nada.

Tudo é branco, alvo, sem mácula,

Há uma cor em lugar de duas.

Mas o limite é o verde da mata,

Que também vira verbo

Ante a esperança frustrada.

Cadê minha Estrada,

O Chão do caminheiro

Em que Deus me transformou,

A Luz do candeeiro

Que o desamor apagou?

Quisera ver agora

Na escuridão que Sou

Aonde está teu querer

E no teu agrado me converter.

(Foto: José Marafona )

AO MEU DEUS II - Helder Bentes

2007-02-26T17:10:00.000-03:00

A imensidão do mar

Cujo limite é o horizonte,

O sol se pondo por trás daquele monte,

Aqueles pássaros a voar,

Herdeiros da Beleza,

Paixão de Agostinho,

Desvelam-se com meu pensamento em louvor.

A vida desdobra-se em signos,

Nasce a canção

No espaço entre a Terra e o Firmamento,

Incapaz de medir teu coração

Que a vida criou

Por muito me amar.

(A Deus Pai e a Santo Agostinho

que tarde amou a Beleza Infinita de Deus)

AQUECIDO - Helder Bentes

2007-02-23T02:57:00.000-03:00

Há um Lugar,
Uma Pasárgada no coração de Alguém
Que Drummond não viu em terra ou mar.
Se O conhecesse teria sabido
Não haver pedras no caminho de ninguém.

Há uma Criança morando em Homem,
Um Herdeiro de virtudes divinais,
Uma Melodia que se ouvira em rádio jamais.
Imagem que não se vê em outrem.

Uma Voz que acende minh´alma
Sem que A ouça eu.

Um Irmão que não pedi a Deus,
Minha razão não pede Milagres em oração.
Maravilhas aconteciam a mim não,
Mas desde que O conheço
Nunca mais frias ficaram minhas mãos.

Ao Amigo (com A maiúsculo) Celso Carvalho
em 23/02/2007

AMA COMO QUEM DOA - Carlos Correia Santos

2007-02-20T16:02:00.000-03:00

Não cuida de amar a dor.

Antes, odeia não amar e voa.

Guarda no peito um jeito de só ser flor,

pois quem te ama só o não odiar te doa.

E que não doa nada em ti, não doa.

Porque no amor é só amigo o ser flor.

Então, amigo, ama

Como quem pelo sonhar revoa.

Escrito para meu amigo Helder Bentes

em 06 de agosto de 2006 (06/08/2006)

ROSA CURIOSA - Helder Bentes

2007-02-18T00:56:00.000-03:00

Prosopopéia da dor no Imaginário Café

Pequeno, para o prazer crer no Amor.

Personificário da imaginação: vem cá, Fé...

Menino que a realidade nega ao coração.

Romance desejado,Vontade romanceada...

Ah... a Visão da tua língua

o Sabor do teu olhar

o Som do teu aroma

o Cheiro da tua voz

o Prazer-dor empreço na pele

o só Riso que chora

a Lágrima que pinga-escorre

como chuvisco que Jorra...

Imagem-Paradoxo do fim,

És Semelhança do Inferno,

Quando exibes-te a mim

Como Mar à garganta Sequiosa.

Quanto escondes assim

Como ar parado sobre minha rosa?

Como Caim, matas-me se me tens Abel

Eu dou-te a mim, Eva incestuosa,

A ciência do Bem e do Mel.

(Foto: Dan Ract)

NAU FRÁGIL - Helder Bentes

2006-12-10T20:13:00.000-03:00

Deste corpo faz-se o barco navegante
Navegando e, ao navegar sobre esse corpo,
Desbrava-se mares longos como se foram
Mares nunca de outrem navegados
Como os mares de Camões.
Águas de inesquecíveis sensações
Refletindo do teu olhar o luminoso farol,
Guia deste mar ardente.
Ao sentir o prazer se exaurindo,
Náufrago perdido, grito teu nome
E alcanço teu coração pelos ouvidos
Num doce “eu te amo” entre gemidos.

ISSO É AMOR - Helder Bentes

2006-11-01T23:30:00.000-03:00

De novo debaixo do sol, Vida,

Vi dar à luz quem duvida

Do novo encaixe de vidas.

Ir mar além e aquém da vida.

Mar e Sol óleo são e candeia

De Psiqué que Eros incendeia,

Luminosa e quente emoção

No coração que arde sem se ver.

Ferida em ponta de flecha,

A mulher na aljava de seu macho

É fêmea curiosa por beleza

Que cai ao profundo do Belo encaixo,

Na dor que desatina não sentida

Do contentamento descontente de Camões,

Num dom de si mesma que tudo crê, espera e suporta...

Assim é o amor quando atinge os corações.

Os olhos se fecham para o visível,

O espelho confuso doutra visão se quebra.

Para que então nos vejamos face a face,

As bocas se calam para o dizível.

Apenas a angústia de sermos dois prevalece

Na unidade maior que mais que o Sol aquece.

Para se atingir este orgasmo infindo

Preciso é vencer afrodites, ciúmes e invejas

Deleitar-se às Vozes do Deus-Amor-Lindo.

Separar sementes por espécie:

Fé, esperança e caridade,

Das quais as maiores são as do Amor.

Aquecer-se em lã dourada de carneiros ferozes,

Ter com quem nos mata lealdade,

Enquanto Zeus enche o vaso inimigo com águas infernais.

Vencer ocnus, anciãos, tecedeiras e perséfones

Para terminar assim cara a cara com Eros,

Conhecendo-o totalmente

Como se é conhecida.

Assim é o amor,

Assim é a vida.

(Para Heloisa e Alexandre

cuja imagem na foto inspirou este poema)

QUIMERA - Helder Bentes

2006-10-13T20:34:00.000-03:00

Quisera ser Poesia

Enclausurada no Cheiro do papel

Ostensiva sobre a Estante

Sozinha e DESnecessitada

Senhora do tempo

Senhora do espaço

Eterna como o Fim das paixões,

Aristotélica e Soberana

Sobre máquinas desejantes,

Deusa de leis próprias

Estandarte de Beleza verdadeira

A trair o sistema,

Atrair somente Iniciados,

Nunca iniciantes.

Quisera ser Poesia

Poesia sem saudade

Poesia sem remorso

Poesia sem medo

Poesia do fingir visceral

Poesia vívida

No Dia eterno da eterna Vida.

Poema nascido às 20h17 do dia 13/10/2006

Dedicado à amiga Andrea Cunha

O MILAGRE DE BELÉM - Helder Bentes

2006-10-06T22:26:00.000-03:00

Tempo que renova o mito.

Estandarte tricolor em meu coração rubro:

Vermelho, branco e azul colorem meu orgulho

De ter nascido entre mangueiras

Cuja ramagem abafa o grito...

Eis que a mulher do rito

recebera de Gabriel a poesia

"Ave agraciada, o Senhor é contigo"

Eis que a mulher já mito

recebera de Izabel a poesia

"Bendita entre mulheres, bendito é o Fruto de teu ventre.

Donde me vem a honra?"

Cumpre-se o Magnificat.

As gerações a proclamam bem-aventurada

Entre aromas de maniva e tucupi,

Cais de chegadas sem partidas,

Sons da arara de miriti,

Abraços de pessoas amigas,

Barulhos coloridos no Céu.

Lá vem a Noiva grinaldada em véu

Bouquê da Redenção no colo

Por onde passa arranca aplausos,

Mãos estendidas a suplicar vida

Àquela que trouxera no ventre alvo

O Caminho, a Verdade e a Vida.

As reverências à Maria de todas

as Escolhidas neste mundo de Marias

São reminiscência da necessária memoria

Da profecia de Isaías:

"Eis que a mulher dará à luz Deus conosco"

Divino porque humano,

Humano porque divino.

E o Milagre de Belem de Judá

Renova-se em Belém do Pará.

ANJO - Helder Bentes

2006-10-04T22:04:00.000-03:00

A tristeza hoje perdeu para a Alegria.
O Amor travou duelo contra o ódio e venceu.
Um anjinho lindo que jazia
Nas profundezas da memória renasceu,
Límpido e claro como a luz do dia.
Meu anjo, cujas asas eu quebrara,
Disse-me "eu te amo".
E eu, que ouvir tal supraverdade não esperava,
Sou surpresa à perda da supramentira.
Estou com o peito inflamo
Pelas brasas acesas entre cinzas de melancolia.
Este prazer, tal qual meu eu, ninguém me tira.
Não pensarei.
Não perguntarei.
Não relembrarei...
Apenas gozarei
Como gozar somente sei
Porque meu anjo disse "eu te amo".
E nesta hora a viver comecei.

Poema nascido às 21h49 do dia 04/10/2006

Imagem: Cupido e Psiche by http://siamribelli.supereva.it/Cupido_e_Psiche.jpg

BODAS - Helder Bentes

2006-10-03T13:19:00.000-03:00

Eu trágico te serei cômico.
O que em mim chora valerá o teu sorriso
E a alegria de quem o contemplar.
Eu te quero como quisera o morto a Vida
Enquanto a morte querer lhe deixara.
Porque temo a morte
Meu silêncio te dirá quem és.
A verdade se perderá no espaço.
O tempo te privará do Teu Abraço.
Aonde anda tua imaginação
Enquanto caminha minha na cama minha
Sem você tão “inha” e sozinha,
Derradeiro leito de um resignado desejo?
Em minha Caná
Bodas e vinho não haverá
Mas potes de água fria
Também viram poesia.